En la primera década totalmente libre de restricciones parciales de contenido, aunque plagada de pesadillas por la guerra de Vietnam, las películas cambiaron para siempre en los años 70. Pero, ¿cuáles son realmente las mejores?
Después de que los cineastas extranjeros dominaran la década de los 60, un nuevo movimiento del «Nuevo Hollywood» estaba en pleno apogeo, con directores locales ejerciendo más control creativo sobre su trabajo que antes. Al mismo tiempo, el mundo, y en concreto Estados Unidos, se sentía sombrío si se juzgaba a través de las noticias comunicadas por la presencia cada vez mayor de la televisión. En medio de escándalos políticos, administraciones corruptas, aumento de la delincuencia y creciente cinismo, las películas reflejaban un estado de ánimo igualmente melancólico y/o nihilista. Ni siquiera el milagro del alunizaje de 1969 consiguió inspirar un asombro duradero por las estrellas, ya que los cineastas convirtieron el espacio en un lugar muy aterrador.
Héroes deportivos desvalidos, espíritus malignos, visitantes extraterrestres, monjes shaolin, justicieros, tiburones asesinos y mucho más definen una década complicada que aún se tambaleaba por los pecados de Vietnam y el resurgimiento de las tensiones de la Guerra Fría. Pero, ¿qué películas entretuvieron al público durante estos tiempos inquietantes? He aquí las 32 mejores películas de la década de 1970.
32. Slap Shot (1977)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Archive ésta bajo: ¿Qué hace Paul Newman aquí? Escrita por la guionista Nancy Dowd e inspirada libremente en la venta del equipo de hockey de la liga menor de su hermano en la vida real, Slap Shot es un alboroto malhablado sobre un equipo de hockey de una pequeña ciudad en apuros que recibe un gran impulso cuando sus nuevos jugadores, los hermanos Hanson, desatan espectaculares bofetadas sobre el hielo para deleite de los aficionados. Dirigida por George Roy Hill, Slap Shot es anterior a la mayoría de las comedias deportivas de culto, pero aún así ésta las supera a todas con su atmósfera cavernícola, momentos dignos de reír a carcajadas y el ganador de un Oscar Paul Newman -en el papel del jugador-entrenador Ruggie Dunlop- mostrándose inesperadamente a gusto como un canoso veterano de vestuario con un vestuario envidiable.
31. Wanda (1970)
(Crédito de la imagen: Bardene International Films)
Obra emblemática del cine independiente, Wanda sigue a una mujer sin perspectivas que acaba en compañía de un atracador de bancos. Obra de la guionista, directora y actriz principal Barbara Loden, Wanda es un retrato compasivo y trágico de las mujeres que caen por las rendijas de la sociedad moderna, haciéndose eco de los sentimientos de falta de rumbo de la propia Loden en aquella época. A Loden le diagnosticaron un cáncer de mama unos años más tarde y murió en 1980, siendo Wanda el único esfuerzo como directora de Loden. Pero incluso a través de una sola película, Loden influyó en generaciones de artistas independientes y estableció de forma permanente los estándares del cine iconoclasta.
30. Nashville (1975)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
En la épica comedia musical de Robert Altman Nashville, un mitin político y festival de música de una semana de duración se convierte en un terrario de la América de los años setenta, cuya inmensidad política y sociológica se condensa en un microcosmos de la industria de la música country. La película cuenta con un reparto de lujo, que incluye a David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin y demasiados más para nombrarlos. Aunque adobada con la política y la dinámica social de mediados de los 70, la película de Altman sigue siendo inquietantemente relevante décadas después.
29. Suspiria (1977)
(Crédito de la imagen: Produzioni Atlas Consorziate)
Un gigante del terror giallo, el clásico de Dario Argento de 1977 Suspiria es una pieza de otro mundo sobre los lados oscuros de los matriarcados y el arte femenino. Jessica Harper protagoniza a una bailarina estadounidense que se traslada a una prestigiosa academia en Alemania, sólo para enterarse de que la escuela está habitada por un aquelarre de brujas. En este cuento de hadas corrupto, Argento desata todo el poderío del vívido Technicolor con una avalancha de paletas rojas, azules y rosas que se arremolinan juntas en algo parecido a un ritual de invocación. Combinada con una atmósfera enervante conjurada a través de una impactante partitura de la banda de rock progresivo Goblin, Suspiria es inolvidablemente agraciada y horripilante.
28. American Graffiti (1973)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
George Lucas tenía sólo 29 años cuando su clásico de juventud American Graffiti se estrenó en los cines con críticas muy favorables. El futuro director de La guerra de las galaxias apenas estaba en la crisis de los cuarenta cuando mostró una nostalgia melancólica por sus años de adolescencia en 1962, como uno de tantos jóvenes alborotadores que se subían a bólidos deportivos y se lanzaban a la aventura en sus propios centros urbanos. Aunque el nombre de Lucas es ahora sinónimo de superproducciones escapistas a gran escala, su película más realista, que sigue a un grupo de adolescentes rock-‘n-roll durante una noche de verano en Modesto, la ciudad natal de Lucas en California, aún se siente viva con vigor como una pieza de época semiautobiográfica realizada a través de los ojos de alguien no mucho mayor que sus propios personajes.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Dirigida por Jim Sharman y basada en el musical de 1973, este animado homenaje a la ciencia ficción y a las películas de terror de serie B fue ignorado en su mayor parte en el momento de su estreno, cuando estuvo plagada de malas críticas e incluso se canceló su estreno mundial de Halloween en la ciudad de Nueva York. No fue hasta un año después cuando la película encontró por fin una legión de fans y cimentó su estatus de titán del cine de medianoche. Susan Sarandon y Barry Bostwick protagonizan a una joven pareja que se encuentra atrapada en la espeluznante mansión de un científico loco (inolvidablemente interpretado por Tim Curry). Entre su vil estética y su contagiosa música, The Rocky Horror Picture Show es una eterna invitación a hacer el Time Warp una y otra vez.
26. The French Connection (1971)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Ampliamente considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos, además de contar con una de las mejores secuencias de persecución de coches de la historia, el crimen negro de William Friedkin está basado en una historia real y, muy apropiadamente, captura con autenticidad la suciedad invernal del Nueva York de principios de los años setenta. Repartiendo el tiempo entre Nueva York y la Francia más pintoresca, The French Connection sigue a dos duros detectives de la policía de Nueva York (interpretados por Gene Hackman y Roy Scheider) cuya investigación sobre una red de narcotraficantes revela un plan internacional a gran escala. Emblemática de la decadencia moral de la década, The French Connection sigue golpeando fuerte después de todos estos años.
25. Annie Hall (1977)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Aunque la admiración por Woody Allen se ha agriado comprensiblemente con los años, Annie Hall sigue mereciendo ser celebrada como un escrutinio escandalosamente juguetón y profundamente reflexivo del romance moderno. Con el guionista y director Allen básicamente interpretándose a sí mismo (chocante, lo sé), la película sigue a un cómico neurótico que se interroga por qué se vino abajo su relación con su novia más reciente, Annie Hall (Diane Keaton). Alejada de la realidad y contada de forma no lineal que salta entre la inusual infancia del protagonista y sus otros matrimonios fracasados, Annie Hall ha mantenido durante mucho tiempo su dominio como el rey de las comedias románticas, aunque con un final feliz que sigue siendo distinto al de la mayoría de las comedias románticas tradicionales.
24. Halloween (1978)
(Crédito de la imagen: Trancas International Films)
Todo lo que necesita oír son esas inquietantes notas de piano para saber que está a tiro de un asesino con una espeluznante máscara blanca del Capitán Kirk. La cuarta película de John Carpenter, Halloween, es fundacional en el género slasher y sigue siendo una de las mejores que éste puede ofrecer. La actriz Jamie Lee Curtis alcanzó la fama en el papel de Laurie Strode, una chica corriente de instituto que es acechada violentamente la noche de Halloween por Michael Myers (interpretado por Nick Castle y Tony Moran), un asesino invencible y fugado de una institución mental. Aunque Halloween ha inspirado abundantes secuelas que conforman una de las franquicias de películas de terror más lucrativas de todos los tiempos, la película original es su obra de arte individual sobre los traumas silenciados que acechan en los vecindarios de todo el mundo.
23. Kramer contra Kramer (1979)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
En el desgarrador drama de Robert Benton, basado en una novela de 1977 de Avery Corman, un amargo divorcio entre una joven pareja -interpretada por Meryl Streep y Dustin Huffman- pone de manifiesto las muchas formas en que la sociedad amontona expectativas agobiantes sobre las personas para formar una familia bajo las que se les doblan las rodillas. En esta historia no hay villanos (excepto algunos abogados imbéciles), sólo la dura y fría verdad de que el amor puede quedarse corto respecto a lo que realmente queremos y necesitamos. En 1979, Kramer contra Kramer caló en el público por su auténtico retrato de las familias modernas; según datos del CDC, las tasas de divorcio alcanzaron un récord del 22,8% ese mismo año.
22. Superman: La película (1978)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Con el apuesto Christopher Reeve como el Hombre de Acero, junto a Margot Kidder y Gene Hackman, el público creyó de verdad que un hombre podía volar. Basada en el icono de DC Comics creado por Jerry Siegel y Joe Shuster, la seminal película de superhéroes de Richard Donner (y plantilla para el Universo Cinematográfico Marvel) demostró que las historias de los cómics pueden contarse con actores de carne y hueso en la pantalla. En medio de un ambiente turbulento atormentado por Vietnam, el escándalo Watergate y el temor existencial provocado por la Guerra Fría, Superman: La película recordó al público que incluso aquellos que tienen el poder pueden seguir defendiendo la verdad y la justicia. ¿No debería ser ése el estilo americano?
21. Enter the Dragon (1973)
(Crédito de la imagen: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee es una estrella más grande muerto de lo que nunca fue vivo, y eso se debe en gran parte a la seductora Enter the Dragon. Aunque dirigida por Robert Clouse, Enter the Dragon se recuerda mejor como un vehículo para que su legendario protagonista brillara con energía de supernova en su única película de Hollywood. Obra maestra del machismo de las artes marciales, Enter the Dragon está protagonizada por Lee como monje shaolin reclutado por el ejército británico para investigar la fortaleza isleña de un señor del crimen. La tragedia de la muerte de Bruce Lee, que se produjo en extrañas circunstancias pocos meses antes del estreno de la película, fue que estaba claramente destinado a mucho más. Enter the Dragon sólo deja entrever lo que podría haber sido.
20. Fiebre del sábado noche (1977)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Nada define la década de 1970 como la música disco, y ninguna película define la música disco como Fiebre del sábado noche, de John Badham. Entre su monstruosa banda sonora de éxito y un joven John Travolta contoneándose como un pavo real histérico, Fiebre del sábado noche es un asalto a los sentidos que no rehúye asomarse a los oscuros rincones de la discoteca. Travolta interpreta a un joven de 19 años de clase obrera que se machaca en su trabajo de ferretero durante la semana para vivir como un rey cada sábado por la noche en su discoteca favorita. Aunque el artículo de revista en el que se inspiró la película resultó ser una farsa, Fiebre del sábado noche convirtió realmente la música disco en la obsesión de Estados Unidos durante un momento inolvidable.
19. Encuentros en la tercera fase (1977)
(Crédito de la imagen: Sony Pictures)
Precediendo a la propia película sísmica de Steven Spielberg E.T.: El Extraterrestre está su épica de 1977 Encuentros cercanos del tercer tipo. Tras un encuentro fortuito con un ovni, un electricista de Indiana (Richard Dreyfuss) consigue un asiento en primera fila en el primer encuentro oficial entre la Tierra y una sociedad extraterrestre. Un espectáculo deslumbrante con un tono y una atmósfera especialmente regios que la mayoría de las películas de invasiones alienígenas anteriores o posteriores, Encuentros cercanos del tercer tipo fue el precursor de un futuro próximo lleno de ciencia ficción madura.
18. El cazador de ciervos (1978)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Inmediatamente después de Vietnam, la mayor parte de Hollywood dudó en enfrentarse al abyecto fracaso de la política exterior de Estados Unidos, que jugó con decenas de vidas humanas como si fueran peones. Pero El cazador de ciervos de Michael Cimino (con Robert De Niro, Christopher Walken y Meryl Streep en el reparto) fue una de las primeras películas, y sigue siendo la más notable, en tratar directamente la espantosa erosión de la moral nacional que supuso la guerra de Vietnam. Aunque los relatos difieren sobre cómo El cazador de ciervos se apartó de su guión original, que estaba ambientado en los bajos fondos de Las Vegas, la película de Cimino es una fuerza sin fisuras ni miramientos sobre unos amigos de Pennsylvania muy unidos cuyas vidas cambian para siempre por su servicio militar en Vietnam. Su «juego» central de la ruleta rusa fue interpretado por el gran crítico Roger Ebert como un «símbolo organizador» sobre la violencia aleatoria que «hace superflua cualquier declaración ideológica sobre la guerra».
17. El Golpe (1973)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Unos años después de colaborar con Robert Redford y Paul Newman en Butch Cassidy and the Sundance Kid, el director George Roy Hill se reunió con los dos condecorados intérpretes en otra maravilla cinematográfica, The Sting. Esta impecable y nostálgica cabriola criminal, ambientada durante la Gran Depresión, cuenta la historia de dos timadores que se asocian para estafar a un jefe de la mafia. Los planes imposiblemente elaborados de los personajes se complementan con sus finas vestimentas, una banda sonora de ragtime desenfadada y un diseño estético general distinguido que recuerda a propósito la sensación de hojear ejemplares polvorientos de The Saturday Evening Post. Con Redford y Newman disparando a todos los cilindros, es demasiado fácil que The Sting le engañe como a un tonto.
16. Carrie (1976)
(Crédito de la imagen: United Artists)
La campaña antiacoso definitiva jamás concebida tiene que ser Carrie, el perdurable clásico de terror de Brian De Palma. Basada en la igualmente formidable novela debut de Stephen King, Carrie trata sobre una adolescente tímida y acosada (interpretada por Sissy Spacek) que desarrolla poderes sobrenaturales y los utiliza para vengarse de todo su instituto. Aunque el vertido de sangre de cerdo a cámara lenta de la película ha sido ridiculizado hasta el infinito, Carrie sigue siendo inquietante en su descripción de pesadilla del instituto y de cómo, para muchos desafortunados, es lo bastante traumatizante como para dejar heridas profundas.
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15. Network (1976)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Para cualquiera que se haya sentido loco de remate y no pueda más, ahí está Network. Pieza seminal del comentario social sobre la insostenibilidad en el sensacionalismo sin fin de los medios de comunicación, el drama oscuramente cómico de Sidney Lumet trata sobre una cadena de televisión al borde del colapso hasta que su respetado presentador, Howard Beale (Peter Finch) amenaza con suicidarse en directo. Con su manía en aumento al compás del incremento de las audiencias, Network explora la insensibilidad del gusto frente a una avalancha de información venenosa. Network es muy anterior a la era de las noticias por cable y las redes sociales, pero incluso después de todos estos años, nunca ha perdido su punto.
14. Uno voló sobre el nido del cuco (1975)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Jack Nicholson y Louise Fletcher coprotagonizan One Flew Over the Cuckoo’s Nest (Un vuelo sobre el nido del cuco), de MiloŠ Forman, un oscuro drama ambientado en una institución mental de Oregan en la que un paciente (Nicholson) está a merced de la tiránica enfermera Ratched (Fletcher) y lidera una rebelión de sus compañeros contra ella. Basada en la novela de Ken Kesey de 1962, la película existe como una célebre metáfora anticonformista; aunque Roger Ebert señala en una elogiosa revisión de 2003 que simplifica en exceso las soluciones a las enfermedades mentales, esa no es realmente la cuestión «porque no tiene ningún interés en tratar sobre la locura», escribió Ebert. «Trata de un espíritu libre en un sistema cerrado».
Un apunte divertido: la película se rodó en el Hospital Estatal de Oregón, un hospital psiquiátrico legítimo en funcionamiento. A cambio de dejar que los cineastas utilizaran el lugar y que los actores siguieran de cerca a pacientes reales para la investigación, los pacientes del hospital tuvieron que formar parte del equipo de la película. En un artículo de 2017 para The Guardian, el actor Michael Douglas, productor de la película, comentó: «Acabamos con varios [pacientes] trabajando en diferentes departamentos. No me di cuenta hasta más tarde de que muchos de ellos eran criminales dementes. Teníamos a un pirómano trabajando en el departamento de arte».
13. Solaris (1972)
(Crédito de la imagen: Mosfilm)
Imagine que odia tanto otra película que hace la suya propia sólo para pegársela. Así es como el cineasta ruso Andrei Tarkovsky enfocó su película de ciencia ficción Solaris (basada en la novela de 1961 de Stanislaw Lem) como una refutación a 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick. Ambientada en una estación espacial que orbita alrededor del planeta ficticio Solaris, un psicólogo (interpretado por Donatas Banionis) es enviado en una misión para psicoanalizar a la tripulación, que ha informado haber sucumbido a una crisis emocional. A diferencia de la película de Kubrick, Solaris de Tarkovsky no se caracteriza por un diseño inmaculado, sino por una estética desgastada y destartalada que habla de una experiencia humana más genuina. Tarkovsky dio instrucciones a su director artístico: «Hagamos que nuestra estación espacial parezca un viejo autobús destartalado y no una utopía espacial futurista».
12. Harry el sucio (1971)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Con la disolución del Código Hays en 1968, Clint Eastwood emergió, Magnum .357 en mano, con Harry el Sucio en 1971. Dirigida por Don Siegel, la película está protagonizada por Eastwood en el papel del policía corrupto de San Francisco «Sucio» Harry Callahan, posiblemente el antihéroe definitivo del cine por su tenaz determinación de hacer cumplir la ley que, irónicamente, le lleva a saltársela con frecuencia. Aunque Harry el Sucio engendró una franquicia, la primera película es una obra cumbre en la que Hollywood se permitió por fin, de verdad, la violencia en pantalla, que estaba A-OK en su justificación por la equivocada rectitud de Harry. Epitomizando el miasma de una década amoral está la pregunta retórica de Eastwood: «¿Te sientes afortunado, gamberro?».
11. Rocky (1976)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Tras años luchando por triunfar como actor, Sylvester Stallone estuvo a punto de renunciar a una carrera como actor hasta que poco a poco fue acumulando trabajo como extra de televisión. Entonces, se subió al ring con Rocky, y nunca ha vuelto a ser el mismo desde entonces. En el emotivo drama deportivo de John G. Avildsen, Stallone interpreta al aspirante a boxeador y cobrador de deudas Rocky Balboa, que se ve empujado al papel principal cuando el campeón de los pesos pesados Apollo Creed (Carl Weathers) elige a Rocky para pelear en una exhibición profesional. Rocky, un conmovedor drama deportivo que inspiró innumerables películas similares, sigue siendo, libra por libra, una de las mejores películas deportivas de todos los tiempos. Como era de esperar, engendró una franquicia, con Rocky III dando al mundo «El ojo del tigre».
10. La naranja mecánica (1971)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
El surrealista drama distópico de Stanley Kubrick, adaptación de la novela de 1962 de Anthony Burgess, es sencillamente una de las películas más perturbadoras de todos los tiempos. Centrada en torno al desenfreno del inquietantemente carismático líder de una banda de adolescentes (interpretado por Malcolm McDowell), la película de Kubrick, de gran densidad temática, describe los extremos de la delincuencia juvenil, la debilitada cohesión social y la impotencia de la autoridad. Su espantosa violencia en pantalla sirve para algo, pero durante mucho tiempo ha habido tristemente gente que no le ha pillado el punto y la película ha inspirado polémicamente crímenes de imitación en la vida real. A pesar de haber sido retirada de los cines por insistencia de Kubrick, La naranja mecánica sobrevive como una obra maestra que canaliza sus muchas ideas a través de los estrechos caminos de un laberinto.
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9. Chinatown (1974)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Se puede definir Chinatown de Roman Polanski por su línea final: «Olvídalo, Jake, es Chinatown». Su premisa es engañosamente simple: ambientada en 1937, una mujer (Faye Dunaway) contrata a un investigador privado, Jake Gittes (Jack Nicholson) para que siga la pista de su marido bajo sospecha de infidelidad. Lo que en realidad sucede es una excavación de múltiples capas en las oscuras profundidades de las que la humanidad es inquietantemente capaz, y la película utiliza las convenciones del cine negro y de misterio para funcionar realmente como un drama psicológico. Chinatown no es sólo una localización en la película, sino una metáfora del caos, el mal y la futilidad, donde lo mejor y más moral que se puede hacer es no hacer nada.
8. Apocalypse Now (1979)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Francis Ford Coppola casi pierde la chaveta haciendo Apocalypse Now. El propio Coppola, estresado por numerosos problemas en el rodaje, como un presupuesto inflado, un calendario de rodaje que se alargó mucho más de los cinco meses previstos, tormentas destructoras en Filipinas y Charlie Sheen sufriendo un ataque al corazón, admitió en 1991: «Poco a poco, nos volvimos locos».» Es difícil decir sin ser Coppola si el dolor mereció la pena, pero décadas después de su estreno en 1979 Apocalypse Now está ampliamente considerada como un megaclásico y una piedra preciosa del canon del Nuevo Hollywood. La película, una zambullida fantasmagórica en la guerra de Vietnam, trata de un capitán militar (Sheen) al que se le encarga en secreto asesinar a un coronel renegado (Marlon Brando) al que sus hombres y los lugareños adoran como a un semidiós. Brillante y audaz, Apocalypse Now es posiblemente la película definitiva sobre la guerra de Vietnam, pero resuena en cualquiera que haya estado en el infierno y haya vuelto.
7. El exorcista (1973)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Es una película que asustó tanto al público que el boca a boca se extendió como la pólvora, convirtiéndola quizá en el primer éxito viral. Dirigida por William Friedkin, esta adaptación de la novela de William Peter Blatty (que también escribió el guión) cuenta la historia de un sacerdote (Jason Miller), que sufre una crisis de fe, al que la Iglesia encarga que investigue la posesión demoníaca de una joven (Linda Blair). El exorcista, un éxito de taquilla que cambió las reglas del juego, no sólo hizo que el género de terror se convirtiera en algo más mainstream, sino que lo hizo respetable, demostrando que es capaz de mucho más que maquillaje y monstruos. En este caso, de ser una película aterradora sobre lo que significa enfrentarse a los males de la duda sobre uno mismo. Algunas curiosidades para usted: La película estaba cómicamente programada para estrenarse un día después de Navidad, el 26 de diciembre. Aunque Friedkin quería una fecha diferente, la historiadora cinematográfica Sarah Crowther teoriza que la fecha se eligió a propósito para avivar un poco la polémica.
6. Todos los hombres del presidente (1976)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Algo ocurrió el 17 de junio de 1972 en la sede del Comité Nacional Demócrata en Washington D.C. Ese algo fue el escándalo Watergate, que se convirtió en un libro de los periodistas del Washington Post Carl Bernstein y Bob Woodward. Cuatro años más tarde, la investigación de Bernstein y Woodward se convirtió en una de las películas más definitorias de la década: Todos los hombres del presidente, dirigida por Alan J. Pakula. Una película que defiende la ingenuidad y los principios virtuosos bajo un gobierno despiadadamente corrupto, Todos los hombres del presidente es fascinante precisamente por su mirada poco glamurosa a la obstinada persistencia del periodismo gumshoe. Es una profesión llena de puertas cerradas, llamadas telefónicas ignoradas y conversaciones crípticas anónimas. Aun así, la película de Pakula nunca deja de ser apasionante mientras dos hombres buscan la verdad cuando nadie más es capaz de hacer el trabajo.
5. Alien (1979)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
La monumental película de ciencia-ficción y terror de Ridley Scott no sólo creó una franquicia perdurable y convirtió en estrellas a Sigourney Weaver y John Hurt, sino que dio forma al lenguaje y la estética de todos los futuros híbridos de género por venir. Ambientada en un futuro lejano en el que los viajes espaciales son moneda corriente, los siete tripulantes del remolcador comercial Nostromo son despertados prematuramente de su estasis por una llamada de socorro. Cuando el grupo de aventureros regresa de su investigación de una nave alienígena abandonada, traen de vuelta, sin saberlo, a una criatura extraterrestre, que crece rápidamente hasta convertirse en una amenaza que escupe ácido y que los amenaza a todos. Con su icónico eslogan «En el espacio, nadie puede oírte gritar», Alien dio un nuevo y terrorífico rostro a dos géneros con historia de un solo golpe.
4. Taxi Driver (1976)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
Con la intención de que el director Martin Scorsese la sintiera como un sueño, Taxi Driver se parece más a una alucinación inducida por la fiebre que a un thriller psicológico sobre la misión de un hombre trastornado para limpiar por sí mismo la corrupta ciudad de Nueva York. Protagonizada por Robert De Niro en el papel de Travis Bickle, un veterano traumatizado de la guerra de Vietnam y taxista nocturno, Taxi Driver es como asomarse al cerebro de un hombre inseguro que compensa en exceso sus carencias con una masculinidad extrema y delirios de grandeza. Décadas después de su estreno en 1976, la controvertida película de Scorsese -que inspiró al menos un intento de asesinato presidencial- sigue siendo alarmantemente relevante.
3. El Padrino (1972)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola podría haberse detenido en El Padrino y seguiría siendo un artista cinematográfico venerado. Basada en el bestseller de Mario Puzo de 1969 sobre una dinastía ficticia de la mafia italiana, la inmortal película de Coppola está protagonizada por Al Pacino y Marlon Brando (además de James Cann, Robert Duvall y Diane Keaton) como los cabecillas de la familia del crimen Corleone. Ambientada entre los años 1945 y 1955, la extensa epopeya de Coppola ve cómo Michael Corleone (Pacino) pasa de ser el hijo menor reacio a pensar siquiera en los negocios de su familia a suceder a su padre en el cargo. El Padrino, un auténtico clásico americano, es realmente una de las mejores películas de todos los tiempos por su dramático estudio de la dinámica familiar, al tiempo que captura los atmosféricos mundos de la mafia italiana en la América de la posguerra.
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2. La guerra de las galaxias (1977)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Dio lugar a una de las franquicias mediáticas más lucrativas y reconocidas del mundo. Pero aunque nunca lo hiciera, la película de 1977 de George Lucas La guerra de las galaxias (desde entonces retitulada Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza) es un logro artístico de pura imaginación. Surgida de la propia incapacidad de Lucas para hacer una película de Flash Gordon, La guerra de las galaxias es, por encima de todo, una historia clásica del bien contra el mal, en la que unos desvalidos rastreros armados con ideales progresistas aún pueden conseguir una victoria sobre fuerzas superiores. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness y la imponente voz de James Earl Jones pueblan la última aventura escapista de una galaxia muy, muy lejana.
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1. Tiburón (1975)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Que sea verano no significa que no deba temer la oscuridad del abismo que tiene debajo. En Tiburón, la película de terror y monstruos definitiva de Steven Spielberg, un pintoresco pueblo de playa es aterrorizado por un gran tiburón blanco particularmente hambriento que acumula un recuento de cadáveres como un calculado asesino en serie. Spielberg, uno de los primeros auténticos éxitos de taquilla de Hollywood, superó hábilmente los problemas técnicos con el tiburón para fomentar una atmósfera de pavor perpetuo e impredecible; realmente no hay nada que dé más miedo cuando no se sabe dónde está el monstruo en ningún momento. Aunque hay muchas más películas de la década de 1970 que merecen un reconocimiento similar como algunas de las mejores de todos los tiempos, sólo una de ellas es lo suficientemente digna como para exigir un bote más grande.
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