Los años 60 son mucho más que hippies, rockeros progresivos y mods. Y en lo que al cine se refiere, tuvieron algunos de los mejores personajes jamás imaginados.
Mientras Hollywood seguía avanzando con sus pulidas películas de estudio, la popularidad de las películas en lengua extranjera impulsó el cine con historias y temas desafiantes y, a menudo, personajes inusuales. Los movimientos de la Nueva Ola de Francia, Japón e Italia, por no mencionar el renacimiento de las películas del Oeste en toda Europa, introdujeron un montón de antihéroes atractivos y amorales. Mientras tanto, en Estados Unidos, varias de las mayores estrellas de Hollywood mantuvieron su perfil interpretando a algunos de los personajes más emblemáticos del cine.
Desde pistoleros chistosos a mujeres problemáticas, pasando por vaqueros que cabalgan sobre cabezas nucleares, a continuación se presentan 32 de los mejores personajes del cine de la década de 1960.
32. Coronel George Taylor (El planeta de los simios)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Cuando el Coronel George Taylor de Charlton Heston, un astronauta humano, finalmente pronuncia un discurso en el clásico de ciencia ficción de 1968 El planeta de los simios, sus palabras estallan como una explosión nuclear, y el silencio subsiguiente de los simios andantes y parlantes es igualmente ensordecedor. En una Tierra futurista gobernada por simios hiperinteligentes y donde la humanidad son salvajes ininteligibles, el coronel Taylor es el avatar de toda la humanidad, su remanente de una especie poderosa pero arrogante condenada a realizar nuestra gran caída del dominio.
31. Rosemary Woodhouse (El bebé de Rosemary)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Es desafortunado e irónico que una de las mejores películas sobre la pérdida de agencia de una mujer venga del director Roman Polanski. Aún así, el clásico de terror psicológico de 1968 de Polanski, El bebé de Rosemary, es abrasador, con una Mia Farrow de lo más expresiva en su centro. Farrow interpreta a Rosemary Woodhouse, la joven esposa de un exitoso actor de teatro neoyorquino cuyo embarazo provoca todo tipo de inexplicables problemas y fantasmas en su nuevo apartamento. El bebé de Rosemary tiene uno de los finales más oscuros de todos los tiempos, y gran parte de él forma parte de nuestro recuerdo perdurable de Rosemary: una mujer inocente, totalmente corrompida desde dentro por un mal indescriptible.
30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Crédito de la imagen: MGM)
Viva Las Vegas, una de las películas definitivas de Elvis Presley, está protagonizada por el titán del rock ‘n roll en el papel de un piloto de carreras cantante que se enamora de una profesora de natación de un hotel de Las Vegas (interpretada por la bella Ann-Margret). Aunque Lucky Jackson no es complicado, es la definición perfecta de la frescura gracias a un Presley en plena forma, cuya presencia sin esfuerzo en el escenario se tradujo muy bien en una carrera cinematográfica de más de una década. Aunque gran parte de la película es olvidable, su canción «Viva Las Vegas» es tan odiosamente pegadiza, y la actuación de Presley vende su magnetismo.
29. Anciana (Onibaba)
(Crédito de la imagen: Toho)
En el inquietante clásico de terror Onibaba, de Kaneto Shindo, ambientado en el siglo XIV, dos mujeres -una anciana (interpretada por Nobuko Otowa) y su joven nuera (Jitsuko Yoshimura)- atrapan a samuráis perdidos, se deshacen de sus cuerpos y venden sus mercancías por dinero. Al final, los celos y las sospechas dividen a las intrigantes mujeres en su propia y amarga guerra civil, en la que el personaje de Otowa sucumbe a una siniestra entidad sobrenatural (a través de una máscara demoníaca). La escalofriante interpretación de Otowa revela la abyecta oscuridad de una mujer que se da cuenta de su destino en la cara literal del mal, creando una imagen duradera de la impotencia de la humanidad ante fuerzas sobrenaturales.
28. Michel (Sin aliento)
(Crédito de la imagen: SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)
El héroe prototípico del cine francés de la Nouvelle Vague, Michel, interpretado por Jean-Paul Belmondo, es el condenado protagonista de la venerada obra maestra de Jean-Luc Godard Sin aliento. Michel, un delincuente de poca monta que sufre de miopía y delirios de romanticismo, se inspira intencionadamente en Humphrey Bogart, y a través de su aventura con una bella estudiante de periodismo estadounidense en París, su fetichismo por los finales felices al estilo de Hollywood resulta irónico dado el sombrío destino que le aguarda. Michel no es un mal tipo. En realidad, no. Sólo está un poco perdido en su propia fantasía.
27. King Ghidorah (Ghidorah, el monstruo de tres cabezas)
(Crédito de la imagen: Toho)
En 1954, Godzilla surgió de las profundidades y pisoteó Tokio, arrasando el lugar con su aliento atómico. Diez años más tarde, Godzilla se convirtió en el protector de la Tierra frente a una amenaza aún mayor: Ghidorah, un dragón dorado de tres cabezas evocador de los mitos japoneses. Sea cual sea su origen, ancestral o extraterrestre, Ghidorah -que debutó en la pantalla en 1964 con Ghidorah, el monstruo de tres cabezas- goza de un estatus perdurable como uno de los mayores rivales de Godzilla, una bestia capaz de una inmensa destrucción. Ghidorah es uno de los grandes monstruos del cine de todos los tiempos, y sobresale por encima de los demás en el canon de Godzilla por su mera presencia intimidatoria.
26. Barbarella (Barbarella)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Antes de que la princesa Leia apareciera en una galaxia muy, muy lejana, estaba Barbarella. Barbarella, una sensual guerrera espacial a la que da vida la efervescente Jane Fonda, es una heroína llena de energía que lleva su sexualidad en la manga. (Bueno, lo haría, si tuviera mangas). La Barbarella de Fonda, un homenaje a los cómics pulp de finales de los sesenta, es alegremente tonta y ofrece una profundidad temática que sólo está a flor de piel. Aún así, gracias al talento y la belleza de una tal Jane Fonda, Barbarella es una icónica reina de la pantalla de ciencia ficción que puede hacer que el espacio sea demasiado caliente.
25. Christine (Ojos sin rostro)
(Crédito de la imagen: Janus Films)
Resulta poético que en Ojos sin rostro, de Georges Franju, sea la persona con la deformidad facial más espantosa la que mantenga su conciencia intacta. En el clásico de terror francés de Franju, Édith Scob interpreta a Christine, la hija supuestamente muerta del célebre médico Dr. GÉnessier (Pierre Brasseur). En realidad, Christine es la superviviente de un violento accidente de coche, y en su aislamiento sufre cicatrices devastadoras. Esto lleva al Dr. GÉnessier (y a su ayudante) a secuestrar a bellas jóvenes y cosechar sus rostros para someterlos a procedimientos experimentales con el fin de «curar» la dolencia de Christine. Pero mientras su padre se ha convertido en un monstruo, Christine mantiene su humanidad, aunque la sociedad exterior la rechace a cambio.
24. Butch Cassidy y Harry Longabaugh (Butch Cassidy y Sundance Kid)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
En su primera aparición como pareja en la pantalla, Paul Newman y Robert Redford brillaron como los pistoleros forajidos Butch Cassidy y «Sundance Kid» Harry Longabaugh. Con personalidades opuestas y complementarias -Butch es el exuberante pistolero, y Harry prefiere mantener el ala de su sombrero baja y la atención fija en la maestra Etta-, los dos se ganan su lugar como uno de los mejores dúos masculinos del cine, siendo el modelo para las parejas de comedias de acción de las décadas venideras. Mucho antes de que las redes sociales y TikTok popularizaran la idea de «montar y morir», Butch Cassidy y Harry Longabaugh hicieron honor a ese espíritu, disfrutando de la inmortalidad en su congelado plano final.
23. Dolores Haze (Lolita)
(Crédito de la imagen: MGM)
¿Cómo pudieron hacer una película de Lolita? Con Sue Lyon, de 14 años. En la controvertida pero célebre adaptación de Stanley Kubrick de la novela de Vladimir Nabokov, Lyon interpreta a Dolores Haze, el objeto (y de hecho, es un objeto) de afecto del profesor de mediana edad Humbert Humbert. De todas las lecturas que se pueden hacer de Lolita, tanto de la novela como de sus inextricables versiones cinematográficas, siempre queda la cuestión de la propia Dolores. Ni una sola vez utiliza el apodo «Lolita». Lo usan los demás, lo que le roba subjetividad.
Lamentablemente, la memorable interpretación de Lyon vino acompañada de inquietantes desventajas para ella misma, ya que Lyons expresó posteriormente dificultades para mantener su salud mental y emocional después de haber sido lanzada a la fama a una edad temprana a causa de su sexualidad. En 1996, Lyons declaró a The Independent: «Mi destrucción como persona se remonta a esa película. Lolita me expuso a tentaciones que ninguna chica de esa edad debería sufrir. Desafío a cualquier chica guapa que sea lanzada al estrellato a los 14 años en un papel de ninfa sexual a que se mantenga en el mismo camino después».»
22. Dolly Levi (¡Hola, Dolly!)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
¡En la mayoría de las versiones del musical Hello, Dolly!Dolly Levi es una entrañable mujer de mediana edad a la que su nueva vida le hace estar deseosa de emparejar solteros y meterse en los asuntos de los demás. En la versión cinematográfica de 1969, con la superestrella Barbara Streisand, Dolly Levi es un poco más tosca, pero no por ello menos agradable de presenciar, tan animada y colorista como su resplandeciente vestuario. Aunque se dice que Streisand no se llevaba bien con su coprotagonista Walter Matthau ni con el director Gene Kelly entre bastidores, eso no impidió que Dolly Levi explotara de resplandor.
21. Lucas «Luke» Jackson (Cool Hand Luke)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Paul Newman cimentó para siempre su lugar en la historia del cine por su interpretación del rebelde preso Luke Jackson, en el clásico de 1967 de Stuart Rosenberg Cool Hand Luke. A medida que el inigualable carisma de estrella de cine de Newman se filtra a través de los sucios hilos del patio de la prisión de Luke, éste se convierte en el santo patrón de la rebeldía, perturbando su opresivo establecimiento con un verdadero sentido del humor. Luke Jackson, una figura anárquica a la que se aspira, hace que el desorden en la cadena de bandas parezca algo condenadamente bueno.
20. Teniente Frank Bullitt (Bullitt)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Conduce un Mustang como ningún otro hombre puede hacerlo, y se ve bien mientras lo hace. En la película que ha llegado a definir la carrera de Steve McQueen, éste interpreta al duro detective de la policía de San Francisco Frank Bullitt, que investiga un caso relacionado con la mafia de Chicago. Sinceramente, los detalles de la historia no importan. Porque lo único que se recuerda de Bullitt, aparte de la épica persecución en coche, es lo genial que es Frank Bullitt. Interpretado por McQueen, Frank Bullitt camina y habla como si hubiera salido de una revista. Entre su jersey de cuello alto y su envidiable Ford Mustang, personajes como Bullitt corrieron para que otros como John McClane y John Wick pudieran correr.
19. Ryunosuke (La Espada de la Perdición)
(Crédito de la imagen: Toho)
Desafiando la concepción popular de los samuráis como nobles soldados que valoraban el honor, la película de 1966 de Kihachi Okamoto La espada del juicio final habla de un espadachín amoral, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), que vaga por el Japón feudal para dejar un reguero de sangre a su paso. Frío y cruel, Ryunosuke utiliza su propio estilo de esgrima, una siniestra forma apodada «Postura silenciosa» que engaña a sus oponentes para atraerlos antes de abatirlos. Ryunosuke, un oscuro antihéroe que vive y lucha sólo para sí mismo, es uno de los personajes más temibles de la historia del cine de samuráis, alguien que se burla silenciosamente del código del Bushido por el mero hecho de ser más rápido, más fuerte y más letal que cualquiera que se interponga en su camino.
18. Maria Von Trapp (Sonrisas y lágrimas)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
¿Cómo se resuelve un problema como el de Maria? Un año después de que Julie Andrews hiciera de niñera mágica de unos mocosos británicos en Mary Poppins, volvió a convertirse en institutriz de siete inadaptados austriacos en la versión cinematográfica de Robert Wise de La novicia rebelde de Roger & Hammerstein. Mientras que Mary Poppins flota con toda la magia de Disney, la Maria Von Trapp de Andrews tiene los pies en la tierra, siendo una maestra instructiva sobre lo que significa saborear la vida y afrontar sus muchos retos con una canción. Con la altísima interpretación de Andrews, Maria Von Trapp no es un «problema» que necesite solución.
17. Mayor T.J. Kong (Dr. Strangelove)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
Peter Sellers interpreta a varios personajes en Dr. Strangelove de Stanley Kubrick, pero hay uno que no interpreta y que inspira una de sus imágenes más perdurables. Slim Pickens coprotagoniza la sátira bélica de 1964 en el papel del comandante T.J. «King» Kong, un patriótico comandante de un B-52 que conduce una bomba H hasta el suelo, ululando y gritando durante todo el trayecto. Lo mejor es que a Pickens no le dijeron que la película era una comedia negra, y toda su actuación es el resultado de interpretar el papel de la forma más honesta posible. Aún mejor: según cuenta el biógrafo de Kubrick John Baxter en una entrevista documental, Slim Pickens se presentó en el plató el primer día vestido de vaquero de pies a cabeza. Todos pensaron que había llegado disfrazado. Más tarde se enteraron de que Slim Pickens siempre vestía así en la vida real.
16. La Sra. Robinson (El graduado)
(Crédito de la imagen: Lionsgate)
Por ti, Sra. Robinson. En la eterna comedia romántica de Mike Nichols, Anne Bancroft interpreta a la impredecible seductora Sra. Robinson, una mujer de mediana edad con un matrimonio sin amor que inicia un tórrido romance con el joven universitario Benjamin (Dustin Hoffman). Poco a poco, la Sra. Robinson se convierte en la antagonista de la película, utilizando su romance para evitar que Benjamin salga con su hija Elaine. Altamente emocional y manipuladora, la Sra. Robinson es la prueba de que algunos de los mejores villanos del cine son aquellos que pueden atraerte con una sonrisa y un cigarrillo.
15. «Pierrot» Ferdinand y Marianne (Pierrot le Fou)
(Crédito de la imagen: Lionsgate)
En Pierrot le Fou, la décima película de Jean-Luc Godard, ampliamente considerada como su obra maestra y el epítome de la Nueva Ola francesa, sus frecuentes colaboradores Jean-Paul Belmondo y Anna Karina forman equipo como Ferdinand y Marianne respectivamente. Ferdinand, un marido insatisfecho con la vida moderna, decide huir al Mediterráneo con Marianne, una ex novia que huye de los asesinos del gobierno. Ambos se embarcan en una vida criminal, una auténtica versión sesentera de Bonnie y Clyde, pero con muchas más explosiones de coches, disparos y ruptura de la cuarta pared. Juntos, son algunos de los mejores personajes del cine francés, y reclaman su lugar a su manera.
14. El abuelo de Paul (A Hard Day’s Night)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Todo el mundo tiene derecho a dos. En la comedia surrealista A Hard Day’s Night, protagonizada por la legendaria banda de rock The Beatles, Wilfrid Brambell interpreta a John McCartney, el «abuelo» de Paul McCartney que acompaña a la banda en su viaje a Londres y sus alrededores. Actuando como un embaucador salido directamente de un libro de cuentos, el «abuelo de Paul» se burla de cualquier idea de que sólo es un anciano amable metiéndose en todo tipo de problemas, desde casarse de nuevo espontáneamente hasta intentar vender autógrafos falsos. Incluso en una película repleta de bromistas, el abuelo de Paul se desmarca deliciosamente, comportándose como si toda la película girara en torno a él.
13. Inspector Jacques Clouseau (La pantera rosa)
(Crédito de la imagen: United Artists)
El inspector Jacques Clouseau, torpe pero siempre al pie del cañón por mucho que se le ruegue que no lo haga, es un espejo cómico en el que se miran los héroes de la novela policíaca. Originario de la sátira de 1964 La pantera rosa, de Blake Edwards, Clouseau fue todo un descubrimiento al ser interpretado por Peter Sellers. En realidad, la película gira en torno a Sir Charles Lytton, interpretado por David Niven, un caballero ladrón que intenta frustrar al inepto Clouseau. Durante la producción, los realizadores se dieron cuenta de que el Clouseau de Sellers era un auténtico robaescenas y empezaron a adaptar la película en torno a él, en lugar de en torno al personaje principal. Aunque Clouseau ayudó a convertir La Pantera Rosa en una franquicia, su primera aparición en la primera película es una hilaridad desmesurada en su máxima expresión.
12. HAL 9000 (2001: Odisea en el espacio)
(Crédito de la imagen: MGM)
A medida que la ciencia ficción maduraba como género cinematográfico en la década de 1960, el clásico inmortal de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio mostró cómo la inteligencia artificial puede ser naturalmente aterradora. En la película de Kubrick, el escalofriante superordenador de voz suave HAL 9000, diseñado para ayudar a los científicos a bordo de la nave espacial Discovery One en su viaje a Júpiter, se convierte en su enemigo al matarlos, utilizando la nave para reducir a la tripulación uno a uno. Aunque a todas luces un villano, HAL 9000 plantea cuestiones que la humanidad aún no sabe cómo responder después de todos estos años, como el valor de una vida aunque sean «sólo» máquinas.
11. Corie Bratter (Descalzos por el parque)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
En la desternillante versión cinematográfica de Gene Saks de la obra teatral de Neil Simon, Jane Fonda interpreta a la vivaz y apasionada Corey, esposa recién casada del abogado de mentalidad conservadora Paul (Robert Redford). Mientras Paul mantiene los pies en el suelo, Corey hace todo lo posible para que su matrimonio sea celestial, incluso cuando un agujero en el techo de cristal hace que eso sea demasiado literal para su comodidad. Sexy y sensacional, Corie y, de hecho, Descalzos por el parque en su conjunto es una película que a veces se pasa por alto y se subestima en el canon de las películas de los 60. Pero es una de las comedias más boyantes de la década, y el atractivo sin límites de Fonda como Corie hace que la película sea un sueño.
10. Ben (La noche de los muertos vivientes)
(Crédito de la imagen: Janus Films)
En la película fundacional de George Romero, La noche de los muertos vivientes, el actor Duane Jones interpreta a Ben, un desconocido que se convierte en el líder de facto de un grupo de habitantes de la Pennsylvania rural la noche en que los muertos vivientes aprenden a caminar entre los vivos. Aunque el público sabe muy poco sobre quién es realmente Ben antes de la película, brilla como prototipo de los futuros protagonistas de survival horror. La noche de los muertos fue revolucionaria para su época, y en cierto modo lo sigue siendo, por elegir a un actor negro como Jones como protagonista. Su presencia desafía la sabiduría convencional sobre cómo se venden las películas, qué historias pueden protagonizar los hombres negros y cómo su escalofriante final demuestra que nuestros prejuicios nos hacen ciegos ante nuestros verdaderos enemigos.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Crédito de la imagen: Janus Films)
Como sustituto del director Frederico Fellini, el retrato de Marcello Mastroianni de un cineasta que sufre un periodo de sequía creativa permite que su célebre película 8 ½ adquiera un importante aire de autorreflexión. (El título, además, es un guiño explícito a la carrera de Fellini, en referencia a sus ocho películas anteriores). Sin embargo, Fellini no se parece en nada a su alter ego proyectado: Guido Anselmi, un artista masculino de pelo plateado que oculta sus ojos ardientes tras unas caras gafas de sol. Nunca antes las almas visionarias torturadas habían tenido tanto estilo, y Guido Anselmi es su parangón.
8. Holly Golightly (Desayuno con diamantes)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
La versión cinematográfica de Blake Edwards de Desayuno con diamantes hace algunos retoques críticos al personaje de Holly Golightly de la novela original de Truman Capote. Pero la luminiscencia de la única e incomparable Audrey Hepburn permite que Holly se sienta dimensional y compleja a pesar de su exterior chic. Holly no es sólo un icono de estilo que encarna la moda mod metropolitana de los años 60, sino también una figura de ensueño, una entidad que sólo podría crearse en los ambientes herméticos de una comedia romántica de Hollywood y que, sin embargo, se siente lo suficientemente viva como para salir de la pantalla. Es hermosa y sofisticada, pero nunca demasiado buena para reírse a carcajadas. El hecho de que sea tan problemática como solitaria aumenta su atractivo. Hasta las revistas de moda son propensas a tener arrugas.
7. Nana (Vivre sa vie)
(Crédito de la imagen: Janus Films)
Las películas no siempre tienen finales felices. Las personas que persiguen sus sueños no siempre ven recompensados sus esfuerzos y su perseverancia. Esa es la inquietante idea que subyace en el oscuro drama de la Nouvelle Vague francesa Vivre sa vie, de Jean-Luc Godard. Anna Karina interpreta a una bella joven parisina llamada Nana, que abandona a su marido y a su hijo para dedicarse a la interpretación, pero recurre a la prostitución para llegar a fin de mes. El cruel final de Vivre sa vie no sólo es duro en su construcción -una explosión de violencia, seguida de un abrupto corte a negro-, sino por lo descuidado que es al deshacerse de su complejo personaje principal, un individuo al que hemos visto expresar toda la gama de su humanidad sólo para ser repentinamente abandonado.
6. Norman Bates (Psicosis)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Psicosis no es sólo una de las películas de terror más influyentes de todos los tiempos, su antagonista Norman Bates (Anthony Perkins) es uno de los personajes más cruciales de la historia del cine. Se podría impartir un curso universitario entero sobre lo que Norman Bates representa en los ámbitos de la psicología y los estudios de género, por no hablar de cómo las películas de terror y suspense se basan en giros narrativos para mantener al público expectante como hizo Psicosis. Pero, por encima de todo, fue Anthony Perkins quien imbuyó a Norman Bates de texturas espeluznantes, habitándolo menos como un actor que interpreta un papel y más como un lobo que se disfraza. Hay algo detrás de su sonrisa, y nada de eso es bueno.
5. Dr. John Wade Prentice y Christina Drayton (Adivina quién viene a cenar)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
En cierto modo, no hay nada destacable en el doctor John Prentice y Christine Drayton. Son yuppies enamorados, tan fáciles de imaginar con camisetas a juego de Mickey y Minnie en Disneylandia o delirando en algún aburrido bed and breakfast. Pero Adivina quién viene a cenar, de Stanley Kramer, se estrenó en 1967, cuando el mestizaje aún era ilegal en muchas partes de Estados Unidos. Así que esta agradable pareja, un médico negro (el legendario Sidney Poitier) y la joven hija blanca (Katharine Hepburn) de ricos liberales blancos, son de hecho personajes radicales, menos como personas que por lo que representan: cómo el amor puede y va a trascender los orígenes raciales. El hecho de ser una comedia romántica desenfadada que aborda sin ambigüedades el racismo a través de su magnífica pareja hace que Adivina quién viene a cenar sea infinitamente más importante y trascendente de lo que parece.
4. Sanjuro (Yojimbo y Sanjuro)
(Crédito de la imagen: Toho)
Toshiro Mifune interpretó personajes distintos a los samuráis a lo largo de su carrera cinematográfica. Pero todavía se le asocia mucho con ellos, y es debido a películas como Yojimbo y Sanjuro, en las que protagonizó al errante ronin anónimo que responde al nombre de Sanjuro. Aunque Yojimbo y Sanjuro son películas diferentes en cuanto a la historia -la segunda se originó como adaptación de una novela antes de ser reelaborada como secuela directa de la primera, de gran éxito-, ambas cuentan con el fogoso Toshiro Mifune como el temible espadachín que se mete en varios líos en sus viajes. Si las películas de samuráis son realmente análogas a las películas del Oeste, entonces un personaje como Sanjuro puede sin duda rivalizar, y tal vez compartir mucho en común, con personajes como el Hombre sin Nombre.
3. El hombre sin nombre (Trilogía del dólar)
(Crédito de la imagen: MGM)
No era la intención de Sergio Leone que el escurridizo pistolero sin nombre de Clint Eastwood encabezara una trilogía cinematográfica. Pero desde Un puñado de dólares en 1964 hasta El bueno, el feo y el malo en 1966, Clint Eastwood interpretó a uno de los mayores y más enigmáticos antihéroes de todo el canon del cine del Oeste. El Hombre sin Nombre, al que da vida un Eastwood sudoroso, de ojos almendrados entrecerrados, mala actitud y poncho (cuyos orígenes en pantalla crean en realidad una línea temporal semidefinida de la trilogía), es sencillamente uno de los hombres más geniales y peligrosos que jamás haya empuñado un revólver, una figura formativa de la que personajes como John Wick, John Marston y The Mandalorian son deudores.
2. James Bond (La serie 007)
(Crédito de la imagen: MGM)
Se llama Bond… James Bond. Sean Connery, el problemático espía de las obras literarias de Ian Fleming, fue quien dio forma para siempre a nuestra impresión y a nuestras posteriores expectativas sobre James Bond durante décadas. Es guapo, carismático y demasiado toquetón para los gustos modernos. Pero es Bond, un hombre de acción y un hombre misterioso al que varias generaciones siempre aspirarán a emular.
1. Atticus Finch (Matar a un ruiseñor)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Hace falta algo más que saber hacer lo correcto. Hay que saber hacer lo correcto, defenderlo y argumentarlo. Incluso cuando la gente que te rodea te mira fijamente a los ojos para decirte lo contrario. En la versión cinematográfica de Robert Mulligan de la novela clásica de Harper Lee, Gregory Peck da vida al modélico abogado Atticus Finch, que defiende a un negro inocente acusado de violar a una joven blanca en la segregada Alabama. (Matar a un ruiseñor se estrenó dos años antes de que la Ley de Derechos Civiles de 1964 declarara ilegal la segregación).
Es leyenda popular que Atticus Finch ha sido un modelo inconveniente entre los abogados idealistas. Pero eso no niega el poder de Atticus como personaje, instructivo en su moral y una estrella del norte para que todos sepamos que el bien y el mal no es una simple cuestión de lo que todo el mundo piensa que es. Atticus Finch no es sólo uno de los mejores personajes cinematográficos de la década de 1960, sino uno de los mejores que jamás se han creado.