Sea lo que sea lo que crea que fueron o parecieron los años 60, piénselo de nuevo. La tumultuosa década es polifacética en todos los sentidos, incluidas las películas. Pero, ¿qué películas de los 60 son realmente las mejores?
En una década caracterizada por el cambio de las normas sociales, por no mencionar el movimiento por los derechos civiles y el atolladero político que fue Vietnam, las películas de los años 60 reflejaron de forma similar una comunidad global en cambio. Las vanguardistas importaciones extranjeras de Japón, Italia, Francia y otros lugares restaron atención a los estilos estadounidenses de probada eficacia. Al mismo tiempo, los cineastas veían su oficio desafiado por una nueva y más barata alternativa de entretenimiento: la televisión. Sin embargo, en lugar de ofrecer un nivel de espectáculo superior al que los minúsculos presupuestos de la televisión podían igualar, las películas de la década trataron de desafiar al público con historias más subversivas que redibujaban los límites de lo aceptable.
Al igual que la década de 1950 que le precedió, la de 1960 preveía las ambigüedades morales de un futuro próximo. A medida que el parroquial Código Hays perdía su tornillo de banco, la repentina explosión del Nuevo Hollywood -ya preclaro por la Nueva Ola francesa- dio a los cineastas más autoría creativa, permitiéndoles reflejar en sus películas una contracultura a la última que calaba en ciudades, comunas y campus universitarios de todas partes.
Con tantos clásicos por nombrar, he aquí sólo 32 de las mejores películas de la década de 1960.
32. Batman (1966)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
¡Santo cine, Batman! Ideada originalmente por el productor William Dozier simplemente para promocionar la serie de televisión, la película Batman de 1966 (dirigida por Leslie H. Martinson) representa ahora el arte camp en toda su extravagante gloria. Protagonizada por Adam West en el papel que le hizo famoso, el Cruzado con Capa libra una batalla contra los malhechores más nefastos de Gotham City, que se han aliado en los Bajos Fondos Unidos. Aunque no es, ni mucho menos, la mejor película de superhéroes jamás realizada, su resumen de la famosa serie de televisión -dimensionada para la gran pantalla- hace de Batman una de las películas comerciales más coloridas, más escandalosas y, de hecho, más divertidas de una década difícil. Verdaderamente, hay días en los que uno no puede librarse de una bomba.
31. Barbarella (1968)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Una película de culto de primer orden, Jane Fonda protagoniza una joya de ciencia ficción de serie B cuyo atractivo es el hecho de que, bueno, tiene a Jane Fonda siendo una tía buena total en el espacio. (Y Barbarella es tan genuinamente observable por el afán de juego de Fonda). Basada en la serie francesa de cómics, la película sigue a Barbarella (Fonda), una viajera espacial enviada para encontrar a un científico con un arma capaz de acabar con la humanidad. Después de que estrellas como Brigitte Bardot y Sophia Loren rechazaran el papel, Fonda dudó sobre su naturaleza sexualizada; en aquel momento, Fonda estaba en el centro de dos escándalos de desnudos en las películas Círculo de amor y Se acabó el juego. Pero Fonda se convenció cuando el director Roger Vadim le dijo que la ciencia ficción pronto sería un género de prestigio. Con La guerra de las galaxias aún a nueve años vista, Vadim tenía bastante razón, aunque Barbarella no sea hoy una franquicia tan grande.
30. Los paraguas de Cherburgo (1964)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
En el inolvidable musical romántico de Jacques Demy, una joven pareja francesa está deseando empezar un para siempre hasta que la guerra de Argelia los separa. Cuando inevitablemente se reencuentran, las gélidas temperaturas revelan una pasión antaño acalorada que se ha enfriado. Catherine Deneuve y Nino Castelnuovo coprotagonizan una encantadora pareja en pantalla que representa la emoción universal de ser joven y estar enamorado, la tragedia de encontrar el amor demasiado pronto y la amarga aceptación de que la vida no siempre saldrá como uno la planea. De las películas que componen la trilogía romántica de Demy -incluidas Lola (1961) y Las jóvenes de Rochefort (1967)- Los paraguas de Cherburgo se erige como la película más fiel a la agridulce efeméride del amor juvenil.
29. Onibaba (1964)
(Crédito de la imagen: Toho)
Es una película tan aterradora que asustó incluso a William Friedkin, el director de El exorcista. Relato de una parábola budista sobre una máscara maldita que castiga a quienes la llevan, Onibaba sigue a dos mujeres que atraen a samuráis errantes para matarlos y vender su armamento por dinero. Cuando un hombre se interpone entre ellas, antiguos sentimientos como la envidia y la rabia se arremolinan como los vientos de una oscura tormenta impía. Un cuadro macabro con una suprema energía eldritch, esta elaborada metáfora de los traumas residuales de Japón por las bombas atómicas adquiere un significado extra cuando se sabe que el guionista y director Kaneto Shindō era de Hiroshima. Onibaba fue una de las muchas películas de Shindō que lidiaban con los horrores de la aniquilación nuclear y con su propia realidad personal de ver su hogar arrasado y a sus supervivientes con heridas inamovibles.
28. Easy Rider (1969)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
La Nueva Ola Americana comenzó a todo gas con Easy Rider, un western moderno donde los haya. Dirigida por Dennis Hopper y escrita por Hopper con Peter Fonda y Terry Southern, Easy Rider sigue a dos motociclistas (interpretados por Hopper y Fonda) que parten del sur de Estados Unidos y se aventuran hacia el oeste con el dinero obtenido de un lucrativo negocio de cocaína. Epopeya histórica de la contracultura, Easy Rider dio forma por sí sola a nuestro vocabulario colectivo de la carretera abierta como la última frontera para la aventura, y el único lugar que queda en la Tierra para encontrar un sentido de identidad y libertad.
27. El apartamento (1960)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Si las paredes pudieran hablar. En la comedia romántica de Billy Wilder El apartamento (1960), Jack Lemmon interpreta a un ambicioso empleado de seguros que, con la esperanza de ascender en su lugar de trabajo, permite a sus compañeros más veteranos utilizar su apartamento del Upper West Side para sus aventuras extramatrimoniales. Las cosas se complican cuando el Bud de Lemmon se enamora de Fran (Shirley MacLaine), que está teniendo una aventura con el propio jefe de Bud. Inspirada libremente en la película británica de 1945 Breve encuentro y en un escándalo de la vida real de Hollywood relacionado con una aventura de un productor que tuvo lugar en el apartamento de su empleada, El apartamento es una deliciosa comedia sobre no estar nunca demasiado cerca de la acción.
26. Matar a un ruiseñor (1962)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
La seminal novela de Harper Lee de 1960, sobre una abogada de principios que defiende a un hombre negro inocente acusado de agresión sexual, fue magistralmente adaptada a la pantalla dos años más tarde por el director Robert Mulligan. Protagonizada por Gregory Peck en el papel de Atticus Finch y Mary Badham como su joven hija Scout -cuya perspectiva proporciona el punto de vista principal de la historia-, la versión cinematográfica de Mulligan ha sido aclamada como un clásico estadounidense por derecho propio, al ser un estudio tierno y conmovedor del crecimiento en un entorno de prejuicios. A través del inolvidable monólogo de defensa de Finch (con la cámara de Mulligan adoptando sabiamente la perspectiva del jurado) Matar a un ruiseñor ha dado a incontables generaciones una instrucción sobre cómo defender lo que es correcto, incluso cuando la justicia escasea.
25. La noche de los muertos vivientes (1968)
(Crédito de la imagen: Criterion)
Antes de The Walking Dead, estaba La noche de los muertos vivientes, de George Romero, que no sólo introdujo a los zombis en el léxico de la cultura pop estadounidense, sino que podría decirse que fue la mejor del género. Ambientada en la Pensilvania rural, siete supervivientes se refugian en una granja mientras hordas de cadáveres carnívoros han cobrado vida de repente por todas partes. La noche de los muertos vivientes no sólo escribió el libro de jugadas de todas las historias de terror de zombis, sino que su casting del actor negro Duane Jones (como el protagonista Ben) fue a la vez revolucionario y señaladamente político, convirtiendo para siempre a los zombis en una metáfora dinámica y fluida de lo que el hombre considera monstruoso en su desgarrador giro final.
24. El planeta de los simios (1968)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Basada libremente en la novela de Pierre Boulle de 1963, la versión cinematográfica de Franklin J. Schaffner El planeta de los simios está protagonizada por Charlton Heston como un astronauta que aterriza en un extraño planeta donde la humanidad es primitiva y los simios parlantes han asumido el dominio como la especie más inteligente. Aunque El planeta de los simios dio lugar a una franquicia, el original de Schaffner es una imponente pieza de ciencia ficción a la vez técnicamente espectacular y espiritualmente premonitoria. Todos estos años después, El planeta de los simios sigue golpeando fuerte como una poderosa advertencia contra la arrogante consideración de la humanidad hacia su lugar en la cadena alimentaria.
23. El candidato de Manchuria (1962)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Basado en la novela de Richard Condon, este oscuro thriller psicológico de John Frankenheimer es una de las películas definitorias de la Guerra Fría que capitalizó la paranoia predominante de la época sobre los enemigos que acechaban desde dentro. Estrenada justo un año antes del asesinato de JFK, la película sigue a un veterano de la guerra de Corea, Raymond Shaw (Laurence Harvey), al que unos comunistas lavan el cerebro sin saberlo y envían de vuelta a Estados Unidos para matar a un candidato presidencial. Protagonizada también por Frank Sinatra, Janet Leigh y Angela Lansbury, la abundante politiquería y conspiración de este thriller de espionaje formativo estableció permanentemente el listón para todos los thrillers de espionaje posteriores. Sus innovaciones en el género siguen viéndose en películas modernas de corte similar, que van desde La identidad Bourne hasta Capitán América: El soldado de invierno. En 2004 se estrenó un remake moderno igualmente formidable, con Denzel Washington, Liev Schrieber y Meryl Streep como protagonistas.
22. Descalzos por el parque (1967)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Jane Fonda y Robert Redford nunca han estado más graciosos ni más calientes que como una pareja de recién casados que bajan de su felicidad de luna de miel para enfrentarse al sentido del humor de la realidad. Tras mudarse a un apartamento de cinco pisos sin ascensor en Manhattan, la de espíritu libre Corie (una delirante Fonda) y el algo más estirado Paul (Redford, que hace gala de un agudo timing cómico) aprenden lo que significa realmente tener y aguantar cuando sus primeros meses juntos no son lo que ninguno de los dos imaginaba. Aunque la trama es ligera como una pluma, la película -basada en la obra teatral de Neil Simon y dirigida por Gene Saks- perdura gracias al radiante carisma de su apuesto reparto.
21. Mary Poppins (1964)
(Crédito de la imagen: Disney)
Uno de los mayores éxitos de Disney surgió en la década de 1960, con Julie Andrews y Dick Van Dyke bailando y cantando sobre las virtudes de llevar una vida familiar más comprometida. En el Londres eduardiano, una mujer mágica vuela desde los cielos para responder a la llamada de los niños Banks en busca de «La niñera perfecta». Ella es Mary Poppins (Andrews), una entidad de lo más misteriosa que es a la vez amable y firme, y exactamente la cucharada de azúcar que la familia Banks necesita para volver a estar completa. Técnicamente deslumbrante y sana en el fondo, Mary Poppins se erige como una de las películas de acción real de Disney más icónicas y exitosas de la historia, y con razón. Qué más se puede decir sino: «¡Supercalifragilisticexpialidocious!».
20. Tokyo Drifter (1966)
(Crédito de la imagen: Nikkatsu)
El homenaje de Seijun Suzuki a los westerns de pistoleros llega en forma de su increíblemente elegante película de gángsters Tokyo Drifter, sobre un sicario reformado llamado Tetsu (Tesuya Watari) atrapado en medio de bandas rivales que intentan consolidar su poder. Suzuki, conocido por su excéntrico estilo visual, fue obligado primero por el estudio a moderar sus sensibilidades en pantalla; el estudio le dio un pequeño presupuesto para asegurarse de que Suzuki coloreara dentro de sus líneas. En represalia, Suzuki se inspiró en las películas musicales de los años 50, en la comedia absurdista y en la emergente escena del arte pop para crear su película más surrealista hasta ese momento. Esta filosofía de rebelión-como-declaración se filtra por los poros de Tokyo Drifter, su maximalismo contenido en sus fotogramas crea una experiencia que no se puede olvidar aunque no se sepa qué está pasando.
19. Butch Cassidy y Sundance Kid (1969)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
El clásico del Oeste de Georgy Roy Hill, escrito por William Goldman, está protagonizado por Paul Newman y Robert Redford como los forajidos más geniales e intocables del cine en su desesperada huida a Bolivia. ¿Sobreviven? La respuesta a eso es menos interesante que el rico y fascinante viaje que Butch Cassidy (Newman) y Harry Longabaugh, alias «Sundance Kid» (Redford) emprenden a lo largo de la película, siendo compañeros de crimen cuyo estrecho vínculo les convierte en los santos patrones de la hermandad y el bromance. Aunque impopular en su estreno, Butch Cassidy y Sundance Kid se ha ganado la reverencia como película que atestigua que la mayor recompensa no son las riquezas con las que uno se fuga, sino las experiencias que se pueden recoger con quienes más importan.
18. La noche de un duro día (1964)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Todos los vídeos musicales, documentales de estrellas del rock, películas de conciertos y carretes de TikTok tienen una deuda con A Hard Day’s Night. Caleidoscopio de comedia y música, la película de Richard Lester, llena de cortes rápidos e histeria cámara en mano, capta a los Beatles en la cúspide de la Beatlemanía. Pero en lugar de ser un documental indulgente y pagado de sí mismo sobre el drama y la fatiga inducidos por la fama, A Hard Day’s Night ve a los rockeros de Liverpool armando jaleo allá donde van, sin apenas una historia real a la vista. Desde trollear a los entrevistadores con rutinas al estilo de los Hermanos Marx hasta escapar de fans gritones que se mueven como enjambres de avispones, A Hard Day’s Night es menos Taylor Swift: The Eras Tour y más la Nueva Ola francesa en su desenfrenada picardía e ingenio.
17. Los pájaros (1963)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Después de Alfred Hitchcock, nunca volvimos a ver bandadas de pájaros de la misma manera. En esta icónica película de terror de 1963, basada en un relato corto de 1952 de Daphne du Maurier e inspirada libremente en un extraño ataque masivo de pájaros en la ciudad de Capitola, California, dos años antes, unas aves agresivas aterrorizan a los habitantes de un pueblo soñoliento. Aunque los cuervos y las palomas asesinas puedan sonar cursis sobre el papel, un soberano del cine como Hitchcock entrega un clásico de terror a sangre fría en el que la naturaleza sigue manteniendo su dominio sin importar los avances científicos de la humanidad. Entre su magistral uso del silencio y la artesanía de los primeros efectos especiales, Los pájaros nunca dejará de levantar el vuelo… y de hacernos correr para ponernos a cubierto.
16. El graduado (1967)
(Crédito de la imagen: Embassy Pictures)
La dramedia romántica de Mike Nichols, uno de los primeros éxitos del cine independiente, captó con maestría el espíritu inquieto de la juventud de los 60 en su historia sobre un licenciado universitario (Dustin Hoffman) que inicia un romance con una mujer mayor (Anne Bancroft) mientras se enamora de su hija Elaine (Katharine Ross). Conseguir su inolvidable final, en el que los dos tortolitos se dan cuenta poco a poco de la aplastante magnitud de sus actos, fue un golpe de genio por parte de Nichols. Al no decir a sus actores qué hacer después de subir al autobús, su fatiga física refleja la ambivalencia espiritual. Cuando tanto Hoffman como Ross dejan de sonreír durante una toma desconcertantemente larga, sus expresiones cansadas revelan la incertidumbre de sus personajes sobre si el amor es lo bastante fuerte como para durar.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Una de las muchas películas icónicas estadounidenses que representaron la rebeldía de la contracultura durante la guerra de Vietnam, Cool Hand Luke, del director Stuart Rosenberg, está protagonizada por Paul Newman en el papel de un prisionero de Florida que se niega a que sus cadenas le atenacen. La película fue escrita por Donn Pearce, cuyos propios antecedentes delictivos y dos años en las cadenas del Departamento Correccional de Florida inspiraron tanto su novela como la película. Inspiradora y conmovedora, Cool Hand Luke es prácticamente un vídeo instructivo sobre cómo mantener la compostura y ser más astuto que los demás en un lugar hostil que quiere verte caer muerto.
14. El bueno, el malo y el feo (1966)
(Crédito de la imagen: MGM)
Sergio Leone pasó la década de 1960 definiendo los westerns de factura italiana con su Trilogía del Dólar, que sigue las hazañas nómadas del Hombre sin Nombre (Clint Eastwood). En la última película después de Un puñado de dólares (1964) y Por unos dólares más (1965), la película de Leone sigue a tres pistoleros -interpretados por Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef- que corren para encontrar oro confederado enterrado durante la Guerra Civil estadounidense. Aunque las opiniones personales varían sobre cuál de la trilogía es la mejor de las tres, El bueno, el feo y el malo es sencillamente demasiado épica para ignorarla y sigue siendo posiblemente la más emblemática de todos los spaghetti westerns. Entre su memorable cinematografía y su violencia operística, los cineastas de acción llevan décadas inspirándose en la perdurable obra maestra de Leone.
13. El bebé de Rosemary (1968)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Es un frío consuelo que nunca se vea la cara del bebé. En la película de terror psicológico de Roman Polanski, Mia Farrow interpreta a una joven esposa de Manhattan que sospecha que puede ser el objetivo de sus vecinos para dar a luz a algo impío. La película de Polanski – que también cuenta con John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans y Charles Grodin en su debut cinematográfico – es un thriller abrasador y ultraoscuro sobre la pérdida de agencia de una mujer (lamentablemente irónico viniendo de Polanski) y sobre cómo la marcha de la sociedad del siglo XX hacia el secularismo puede ser la perdición de la humanidad. El bebé de Rosemary se adelantó a los acontecimientos, ya que la histeria por los cultos satánicos ocuparía rápidamente un lugar predominante en los titulares de los periódicos durante las décadas de 1970 y 1980.
12. Lawrence de Arabia (1962)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
¿Puede la vida de alguien ser tan épica que se convierta en una de las mejores películas de aventuras de la historia? Al parecer, el arqueólogo, oficial del ejército y escritor británico del siglo XX T. E. Lawrence vivió una vida que se convirtió en Lawrence de Arabia, de David Lean. Protagonizada por Peter O’Toole, que en aquella época era un actor desconocido pero que le gustaba a Lean (por su película de 1960 El día que atracaron el Banco de Inglaterra), la película sigue a Lawrence a través del Imperio Otomano durante la Primera Guerra Mundial. La propia película explora la dificultad de Lawrence para reconciliarse con la violencia y su lealtad dividida entre Gran Bretaña y sus recién descubiertos aliados dentro de las fuerzas árabes. Un espectacular éxito de taquilla en una época que no hacía muchos de ellos, Lawrence de Arabia galopa con ferocidad y un sentido de la aventura que no se vería hasta En busca del arca perdida casi 20 años después.
11. High and Low (1963)
(Crédito de la imagen: Toho)
Akira Kurosawa es, con razón, conocido como director de epopeyas samuráis imperecederas. Pero incluso cuando hace zags de sus propios zigs, el afamado artista mantiene todos sus mejores rasgos, como su formalidad teatral y sus personajes de fuerte carácter que se enfrentan a fuerzas opresivas. Entre: High and Low, el propulsivo y finamente compuesto drama criminal de Kurosawa de 1963. Basada en la novela King’s Ransom de Ed McBain, un ejecutivo adinerado (Toshiro Mifune) se entera de que su hijo ha sido secuestrado y pide un rescate, lo que da el pistoletazo de salida a una sudorosa trama en la que el tiempo es esencial. Cambiando la armadura samurái por camisas y corbatas impecables, Kurosawa rumia el resurgimiento de Japón en la posguerra. A su alrededor, el director vio cómo la sociedad japonesa evolucionaba rápidamente hacia la modernidad. Pero, ¿a qué precio?
10. Desde Rusia con amor (1963)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Una secuela de James Bond que hace saltar por los aires incluso a su predecesora Dr. No, el director Terence Young y el actor Sean Connery se reúnen para Desde Rusia con amor, esta vez para contar la historia de Bond ayudando a una bella desertora soviética (Daniela Bianchi) a escapar de las garras de SPECTRE. Con el mayor espía del MI6 inmerso en las tensiones de la Guerra Fría, Desde Rusia con amor mantiene un aire enrarecido como una de las mejores secuelas de Bond jamás realizadas, siendo una superproducción descarnada, sexy y emocionante a la vez. También ayuda que la película esté subrayada por una de las mejores canciones Bond de todos los tiempos, cantada por el crooner Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Crédito de la imagen: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard pasó la década de 1960 afirmando su lugar en la Nueva Ola francesa a través de películas como Sin aliento (1960), Vivre sa vie (1962) y Band of Outsiders (1964). Pero la forma máxima de Godard llegó en 1965 con Pierrot le Fou, una vívida y colorida road movie experimental sobre un hombre (Jean-Paul Belmondo) que huye con la niñera y ex amante de su hijo (Anna Karina) para dejar atrás su mundo de burgueses. Monumento de arte pop rebosante de sensualidad, romance condenado y los escombros de una cuarta pared derribada, Pierrot le Fou no sólo certificó el estatus de autor de Godard, sino que lo bañó en oro.
8. Desayuno con diamantes (1961)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn no sólo cimentó su estrellato con Desayuno con diamantes, del director Blake Edwards, sino que le garantizó la inmortalidad. En este gigante de la comedia romántica, Hepburn interpreta a Holly Golightly, una excéntrica socialité que se enamora de un escritor en apuros (George Peppard). Dejando a un lado la interpretación racista de Mickey Rooney de un vecino japonés, Desayuno con diamantes es efervescente y chic, una película que toma el amor de su corazón y lo viste a la moda mod. El look de Hepburn como Holly sigue siendo omnipresente como símbolo de belleza atemporal, y es difícil discutir por qué. Una mirada de ella al objetivo de la cámara de Edwards, y todos nosotros estamos con la cabeza sobre los tacones altos.
7. La Dolce Vita (1960)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
El nombre de Federico Fellini es sinónimo de buen cine italiano, y La Dolce Vita se erige como uno de sus éxitos más perdurables. La película sigue a un periodista famoso (interpretado por un Marcello Mastroianni ultra cool, que rezuma fanfarronería en cada fotograma) que pasa una semana febril recorriendo Roma -una antigua ciudad invadida por la ostentación y el glamour- en busca de algo puro. Con una estructura argumental única y un humor mordaz, La Dolce Vita se regodea en la decadencia de una próspera civilización de posguerra al tiempo que presagia el envenenamiento de la sociedad por las toxicidades de la fama.
6. La pandilla salvaje (1969)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Sam Peckinpah dio al western su último hurra con La pandilla salvaje, una película sobre forajidos envejecidos que luchan por adaptarse al modernizante siglo XX y se apagan en un resplandor de gloria. Aunque los westerns no se han extinguido del todo, en la década de 1960 el género había caído en desgracia y desde entonces nunca ha recuperado esa popularidad. Esto sólo hace que el bombardeo de estallidos de pólvora y rebotes de balas que subraya el explosivo final de Peckinpah en Agua Verde parezca un espectáculo de fuegos artificiales que conmemora a los innumerables héroes de sombrero blanco y pícaros de sombrero negro que adornaron la gran pantalla desde los inicios de Hollywood. Después de The Wild Bunch, las películas del Oeste cabalgaron hacia la puesta de sol, y nunca han mirado atrás.
5. 8 ½ (1963)
(Crédito de la imagen: Columbia Pictures)
El cineasta italiano Frederico Fellini volvió famosamente su cámara hacia sí mismo, en cierto modo, en su película sobre las luchas por mantener la autoría y la individualidad en un campo sujeto al escrutinio público. En la octava película de Fellini (de ahí el título), el actor Marcello Mastroianni interpreta a Guido Anselmi, un director que intenta desesperadamente mantener su identidad a través del riguroso y autodestructivo proceso de dirigir una película de ciencia ficción de gran presupuesto. Todo el tiempo, Guido piensa en las diversas mujeres de su vida. Una meta comedia negra surrealista que desdibuja las líneas que delimitan el kayfabe, 8 ½ es considerada con razón una de las mejores películas sobre hacer cine jamás realizadas.
4. West Side Story (1961)
(Crédito de la imagen: United Artists)
¿Cómo se resuelve un problema como el de María? En este Romeo & Julieta modernizado ambientado en las bandas callejeras racializadas de la ciudad de Nueva York, Natalie Wood y Richard Beymer interpretan a amantes cruzados de estrellas que se enamoran mientras están en lados opuestos de una guerra territorial. La versión original de 1961 -dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins-, un romance musical, trata audazmente la pantalla como si fuera un escenario, con coreografías complejas, paletas de colores vivos y dinámicos movimientos de cámara que influyeron en gente como Michael Bay (que elogió la película en una entrevista en el New York Times en 2001) y Steven Spielberg, que dirigió su propio remake en 2021. Cuando vea West Side Story, será un fan de por vida, desde su primer cigarrillo hasta el último día de su agonía.
3. Ojos sin rostro (1960)
(Crédito de la imagen: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Aunque la seminal película de terror de 1960 Ojos sin rostro, de Georges Franju, es anterior a la mayoría de las películas slasher, su desgarradora historia y su despiadada violencia establecieron las normas que más tarde defenderían maestros del género como John Carpenter y Wes Craven. Aún así, Ojos sin rostro no se parece a ninguna película de terror que haya visto, siendo tan poética como espeluznante. La película sigue a un reputado cirujano plástico (interpretado por Pierre Brasseur) que atrapa a bellas jóvenes para tallar su carne y reparar la trágica desfiguración de su hija. Édith Scob también protagoniza a la hija del doctor, que se pone una máscara blanca fantasmal que parece un augurio de futuros iconos como Michael Myers y Jason Voorhees. Aquí, lo bello y lo horripilante hacen improbables compañeros de celda.
2. 2001: Una odisea del espacio (1968)
(Crédito de la imagen: MGM)
Ninguna película define la década de 1960 y, sin embargo, se siente fuera de tiempo como 2001: Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick. Tras dos megaclásicos, Lolita (1962) y Dr. Strangelove (1964), Kubrick miró a las estrellas con una majestuosa epopeya de ciencia ficción que adapta el relato corto de Arthur C. Clarke «El centinela». El alcance de 2001 es enorme, al ser una película que abarca eones literales desde los orígenes primates de la humanidad hasta, lo que Kubrick predice, nuestra sofisticación como especie espacial. Pero por muy lejos que nos lleve el progreso, el hombre sigue estando sujeto a una violencia inexplicable. Y así, en el viaje del Discovery One a Júpiter, la inteligencia artificial HAL 9000 tiene algunas ideas propias sobre la supervivencia que a sus amos carniceros no les gustarían. Bellamente compuesta y ominosa en un sentido sobrenatural, 2001: Una odisea del espacio hizo avanzar al cine con sólo un toque de monolito negro.
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1. Psicosis (1960)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Con la bella Janet Leigh, un frasco de sirope de chocolate Hershey’s y una palpitante pieza para todas las cuerdas de Bernard Herrmann, Alfred Hitchcock forjó una obra maestra cinematográfica que miró en lo más profundo de nuestra psique y desenterró lo que nos aterrorizaba a todos. Repleta de pistas falsas, ironía cómica negra y un denso simbolismo que podría llenar una conferencia sobre psicoanálisis freudiano, la película más reconocible de Hitchcock perdura como un imponente gigante que redefinió la aceptabilidad del cine comercial para el gusto e innovó las convenciones de la película de terror moderna. Basada en el libro homónimo de Robert Bloch, la historia se desarrolla principalmente en el espeluznante Motel Bates, supervisado por su excéntrico propietario Norman Bates (Anthony Perkins), que oculta un oscuro secreto. Aunque Psicosis ha engendrado, comprensiblemente, una franquicia que incluye la popular serie de televisión Bates Motel, Psicosis se erige poderosamente por sí misma como una película que lo cambió todo.