El negocio del cine es extraño, si lo piensa. Antes de que el streaming lo cambiara todo, las películas -la culminación de innumerables artistas vertiendo toneladas métricas de tiempo, energía y, sí, amor- a menudo sólo disponían de una ventana de dos o tres fines de semana como máximo para ganar todo el dinero que podían, si eso. Se trata de un modelo de negocio heredado del teatro en vivo, y muchos clásicos a sangre fría bombardearon la taquilla antes de encontrar una vida útil más larga en el vídeo doméstico e Internet.
He aquí 32 películas clásicas a las que no les fue bien en términos de ingresos comerciales antes de ganarse un lugar apropiado en los corazones y las mentes de los espectadores de todo el mundo.
32. Tres mil años de anhelo (2022)
(Crédito de la imagen: MGM)
Siete años después de que su Mad Max Fury Road estableciera un nuevo estándar para el cine de acción, el director George Miller se esforzó por contar un romance épico entre una solitaria erudita británica (interpretada por Tilda Swinton) y un apuesto genio (Idris Elba). Incluso con un modesto presupuesto de 60 millones de dólares, Tres mil años de anhelo pasó apuros en un mercado teatral que aún se recuperaba de la pandemia del COVID-19. Su rara existencia como fantasía hipnótica para adultos la convierte en un clásico moderno destinado a encontrar finalmente su público.
31. Bajo la piel (2013)
(Crédito de la imagen: A24)
A pesar de estar protagonizada por la mega-famosa heroína de Marvel Scarlett Johansson, el angustioso sci-fi noir de Jonathan Glazer (basado en la novela del año 2000 de Michel Faber) no logró obtener beneficios ni siquiera con un minúsculo presupuesto de 13 millones de dólares. Aun así, Under the Skin fue y sigue siendo celebrada como una inquietante película que explora el sexismo, la política de clases y la identidad en su historia sobre una alienígena (Johansson) que se alimenta de hombres en la lluviosa Escocia. Curiosamente, los lugareños apenas reconocieron a Johansson durante el rodaje; en una entrevista de 2014 con el Irish Times, Glazer comentó: «Recuerdo haberla visto caminando por la calle con un jersey rosa y un objetivo largo y parecía un insecto exótico en el continente equivocado».
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30. Crimson Peak (2015)
(Crédito de la imagen: Universal)
El taciturno romance gótico de Guillermo del Toro sobre un autor que se muda a una mansión inglesa encantada se promocionó como una película de terror tradicional, lo que dejó decepcionado a quien buscara gritos. (La competencia de éxitos como The Martian tampoco ayudó). Pero del Toro es un visionario seguro cuyo arte siempre encuentra aprecio a su debido tiempo. Casi tan pronto como se estrenó en otoño de 2015, Crimson Peak contaba con febriles defensores que la apodaban «obra maestra gótica» y tales sentimientos no han hecho más que crecer con el tiempo. Desde entonces, la película ha sido aclamada como una de las mejores de del Toro, aunque también sea uno de sus mayores fracasos comerciales.
Crimson Peak6,5/10Ver en NetflixVer en Amazon Instant VideoVer en Apple TV
29. Tenet (2020)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Christopher Nolan es uno de los pocos verdaderos autores del siglo XXI, y todo lo que hace atrae a un público comparable al de una secuela de una franquicia. Pero la pandemia del COVID-19 puso verdaderamente a prueba su estatus. Con un presupuesto de 200 millones de dólares y una compleja narrativa que implica la manipulación del tiempo, la película de acción y ciencia ficción de Nolan Tenet se estrenó en los cines cuando quedarse en casa era la opción más segura para la mayoría. Incluso con una recaudación total de 365 millones de dólares, Tenet perdió dinero para Warner Bros. Pero ha encontrado seguidores entregados, con la frase hablada «No intentes entenderlo, siéntelo» sirviendo de grito de guerra para sus admiradores.
Tenet7,3/10Ver en NetflixVer en GooglePlay
29. Ishtar (1987)
(Crédito de la imagen: Columbia)
La alborotada comedia de Elaine May sobre dos insensatos compositores de canciones (interpretados por Dustin Hoffman y Warren Beatty) atrapados en un enfrentamiento geopolítico comenzó con proyecciones de prueba muy positivas. Pero la mala sangre entre los productores al más alto nivel se aprovechó en la prensa, lo que provocó críticas negativas e infló los costes de marketing para superar la mala publicidad. Ishtar no sólo fue una bomba a nivel nuclear, sino que tuvo consecuencias que llevaron a Columbia a venderla a Sony. Tras décadas de ser considerada entre las peores películas de la historia, Ishtar ha disfrutado de una revalorización como brillante sátira del narcisismo masculino. Entre sus mayores admiradores se encuentran los titanes del cine Quentin Tarantino y Martin Scorsese.
28. El último duelo (2021)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Ridley Scott no es ajeno a las grandes películas que pierden en taquilla; en 2005, su epopeya bélica El reino de los cielos fue condenada a la guillotina. Pero en 2021, su drama medieval El último duelo sufrió por la combinación de una temática problemática y unos cines aún recuperándose de la pandemia del COVID-19. (Aunque Scott culpó a los millennials y a los teléfonos móviles, por alguna razón). Aún así, la refinada artesanía de Scott y un destacado reparto formado por Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer y Ben Affleck hacen que El último duelo sea sublime, y un recordatorio de que los adultos aún pueden tener películas para ellos solos.
27. Donnie Darko (2001)
(Crédito de la imagen: Newmarket Films)
El director Richard Kelly irrumpió en Hollywood con su ópera prima Donnie Darko, un thriller de terror psicológico repleto de angustia adolescente. Un tono abrumadoramente sombrío y un punto crucial de la trama que implicaba un accidente de avión hicieron que su estreno en octubre de 2001 fuera muy incómodo, y son las causas fundamentales de una pobre taquilla. Pero Donnie Darko encontró un público rabioso en DVD y gracias al boca a boca de Internet. Inició el camino de Jake Gyllenhaal hacia el estrellato e hizo de la sombría versión de Gary Jules de «Mad World» el himno de la juventud nihilista del siglo XXI.
26. Hijos de los hombres (2006)
(Crédito de la imagen: Universal)
Inquietante thriller distópico en el que Clive Owen interpreta a un funcionario que ayuda a una refugiada embarazada (Clare-Hope Ashitey), Hijos de los hombres de Alfonso CuarÓn imaginó un futuro plausible azotado por la xenofobia y el ecocidio. A pesar de su genialidad y de sus merecidos elogios, no logró vender suficientes entradas. Hijos de los hombres recaudó sólo 70,5 millones de dólares frente a un presupuesto de producción que entonces ascendía a 76 millones de dólares, pero un lugar recurrente en varias listas de lo mejor asegura que la película seguirá alarmando al público sobre nuestro apocalipsis autodestructivo hasta que sea demasiado tarde.
25. Miedo y asco en Las Vegas (1998)
(Crédito de la imagen: Universal)
La adaptación de Terry Gilliam de la novela/memoria de 1971 de Hunter S. Thompson fracasó en los cines, pero sigue viva como póster colgado en dormitorios universitarios de todas partes. Johnny Depp y Benicio del Toro coprotagonizan el papel de un periodista y un abogado, respectivamente, que se meten en un lío en Las Vegas mientras están colocados de, bueno, de todo. Gilliam enmarca memorablemente el sueño americano a través de un espejo de funhouse, donde las aspiraciones capitalistas se ven grotescas bajo las calientes luces de neón de la autodeterminación.
24. Showgirls (1995)
(Crédito de la imagen: MGM)
Otra mirada a la perversión del sueño americano, Showgirls de Paul Verhoeven -protagonizada por la reina de las comedias Elizabeth Berkley despojándose de su imagen de mujer sana- ha mantenido durante mucho tiempo su reputación de fracaso prodigioso. También soportó el varapalo de la crítica, que no sabía cómo registrar su abundante sexualidad y su misoginia a flor de piel. Pero el tiempo ha sido benévolo con Showgirls, y críticos y cineastas modernos como Jim Jarmusch y Adam McKay la reconocen como una sátira astuta que se toma en serio lo camp. En una entrevista de 2015, Verhoeven lamentó hasta qué punto Berkely cargó con la abrumadora negatividad de la película.
23. John Carter (2012)
(Crédito de la imagen: Disney)
El mismo año en que Los Vengadores y El caballero oscuro asaltaban al mundo, John Carter, la película de ciencia ficción de gran presupuesto de Andrew Stanton (basada en la novela centenaria de Edgar Rice Burroughs) fracasó estrepitosamente y no consiguió dar a Disney una nueva franquicia. Pero en medio de años de películas de superhéroes de siempre, la crítica y el público han reevaluado John Carter como un clásico pasado por alto que en realidad merecía una franquicia y que fue maldecido por el momento. Sus dos estrellas principales, Taylor Kitsch y Lily Collins, han comentado desde entonces que John Carter es la película por la que aún se les reconoce. «Moriré y la gente seguirá viendo esta película», dijo Collins en 2022.
22. Steve Jobs (2015)
(Crédito de la imagen: Universal)
Enmarcado en momentos concretos de su vida, este drama biográfico sobre el difunto fundador de Apple gozó de aclamación incluso cuando su recaudación total de 34,4 millones de dólares apenas iguala las ventas trimestrales del último iPhone. Aún así, Steve Jobs es cautivadora gracias a un guión dinamitador del maestro Aaron Sorkin, a un camaleónico Michael Fassbender y a la aguda dirección de Danny Boyle, que desentierra todo el suspense y la tensión en el más sencillo de los pasillos entre bastidores iluminados con fluorescentes. En retrospectiva, Steve Jobs demuestra lo que significa hacer un biopic que sea cualquier cosa menos una hagiografía.
21. Mulholland Drive (2001)
(Crédito de la imagen: Universal)
Tan hermosa como desconcertante, la adorada película noir de Los Ángeles de David Lynch -que comenzó como un piloto de televisión- no llegó a recaudar ni un céntimo. Pero con una narrativa fantasmagórica incompatible con los gustos del gran público, ¿a alguien le sorprende? Descenso surrealista a los sueños destrozados de Hollywood, Mulholland Drive está protagonizada por Naomi Watts en el papel de una aspirante a actriz que conoce a una amnésica, interpretada por Laura Harring. Situada en la encrucijada entre Sunset Boulevard y Babylon, de Damien Chazelle, su tono sombrío resuena entre quienes intentan deleitarse con la gran pantalla.
20. Office Space (1999)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
A medida que la generación de la MTV maduraba hacia la edad adulta, sus frustraciones hacia la opresiva mundanidad del lugar de trabajo encontraron una voz en la interminablemente citable y memeable comedia negra de Mike Judge. Con un presupuesto de sólo 10 millones de dólares y una recaudación de poco más de 12 millones, Office Space no incendió los informes TPS de Hollywood. Pero la repetición constante en Comedy Central inspiró a muchos a desear poder descargar también su ira en la máquina de imprimir de su jefe.
19. Bottle Rocket (1996)
(Crédito de la imagen: Sony Pictures Releasing)
Esta celebrada comedia de mediados de los 90 sobre criminales ineptos lanzó las carreras de Wes Anderson y de los dos hermanos Wilson (Luke y Owen). Pero la pésima taquilla de la película -presagiada por las malas proyecciones de prueba- hace que sea un milagro que alguno de los dos tenga carrera. (Owen Wilson ha dicho que estuvo a punto de dejar la actuación para alistarse en los Marines tras su desastroso estreno). Hoy, Bottle Rocket goza de elogios retroactivos como la obra maestra más inusual de Anderson.
18. Serenity (2005)
(Crédito de la imagen: Universal)
La serie de ciencia ficción de culto Firefly, a menudo considerada como uno de los mejores programas de televisión cancelados demasiado pronto, disfrutó de una improbable buena fortuna cuando obtuvo una película secuela de gran presupuesto en 2005. A pesar de contar con una apasionada base de fans, el desinterés de los espectadores habituales no familiarizados con Firefly condenó a Serenity a alcanzar tan sólo el número dos en su fin de semana de estreno. Pero aun así, Serenity obtuvo críticas muy favorables y el reconocimiento como una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos. Su legado se selló aún más cuando el director y creador (ahora caído en desgracia) Joss Whedon dirigió una de las películas más grandes de la historia: Los Vengadores de Marvel en 2012. Simplemente no se puede detener la señal.
17. El rey de la comedia (1982)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Incluso Martin Scorsese ha soportado bombas en su ilustre carrera, ninguna más que El rey de la comedia. Robert De Niro interpreta a un delirante aspirante a cómico que urde un plan para secuestrar a su ídolo, un presentador de televisión nocturno, y chantajear a la cadena para que le dé un puesto. Al igual que la otra colaboración de Scorsese con De Niro, su legendario noir de 1976 Taxi Driver, el final de El rey de la comedia está sujeto a debate. Pero sea cual sea la interpretación de cada uno, no se puede negar que el tratado de Scorsese sobre el culto a la fama – alarmantemente premonitorio del ascenso de los influencers en la red – es hipnótico, oscuro y nada risible.
16. The Master (2012)
(Crédito de la imagen: The Weinstein Company)
El drama psicológico repleto de estrellas de Paul Thomas Anderson trata sobre un veterano de la Segunda Guerra Mundial (interpretado por Joaquin Phoenix) que sucumbe a la influencia de un líder de una secta paternal. A pesar de su reverencia como retrato inteligente y mordaz de la dinámica profesor-alumno y de la masculinidad estadounidense, por no mencionar los paralelismos con la Cienciología, The Master no pudo dominar las ventas de entradas y tuvo un rendimiento inferior al esperado. Aún así, The Master ocupa un lugar especial en la filmografía de PTA, y es la prueba de que el difunto Philip Seymour Hoffman no tenía igual.
15. Idiocracia (2005)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Mejor descrita como una película de pensamiento para el chico de la fraternidad, la comedia de ciencia ficción de Mike Judge está protagonizada por Luke Wilson como un bibliotecario que se despierta 500 años en el futuro y descubre que la civilización se ha derrumbado bajo el peso del anti-intelectualismo. Aunque Idiocracia bombardeó bajo la presidencia de Bush Jr.resurgió durante la presidencia de Trump, con incómodos paralelismos entre la antigua estrella de telerrealidad y el bufonesco presidente de la película, Dwayne Elizondo Mountain Dew Herbert Camacho (Terry Crews).
14. Scott Pilgrim contra el mundo (2010)
(Crédito de la imagen: Universal)
Entre una entrega y otra de su trilogía Cornetto, Edgar Wright aprovechó la energía de su público -millennials obsesionados con la cultura pop en la niebla de sus primeras relaciones románticas reales- en su cinética y frenética Scott Pilgrim contra el mundo. Michael Cera, una colorida interpretación de las novelas gráficas de Bryan Lee O’Malley, encabeza un reparto de futuras estrellas (Mary Elizabeth Winstead, Anna Kendrick, Aubrey Plaza, Chris Evans y Brie Larson, entre ellas) como un holgazán que toca el bajo y lidia con el inusual equipaje de su nueva novia: sus siete malvados ex. Scott Pilgrim no pudo superar a su rival en taquilla The Expendables, pero quienes la vieron en agosto de 2010 sabían el clásico de culto que estaba destinado a ser.
13. Clue (1985)
(Crédito de la imagen: Universal)
Siendo una adaptación de alto concepto del popular juego de mesa, Cluedo, de Jonathan Lyne, no arrasó precisamente en taquilla cuando se estrenó en diciembre de 1985. Pero cuando Cluedo llegó a la televisión y al vídeo doméstico, el público -y en concreto los millennials- se enamoró de su humor irreverente («¡Llamas, en un lado de mi cara!») y de sus novedosos finales múltiples. Hoy en día, es una de las favoritas en las proyecciones de medianoche de todo el mundo. Hablando de proyecciones de medianoche…
12. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Le he visto temblar de antici…pación por ésta. En la comedia musical de terror de Jim Sharman, una pareja de recién prometidos (Susan Sarandon y Barry Bostwick) se refugia en un castillo propiedad del científico loco Dr. Frank N. Furter (Tim Curry en una actuación inolvidable). Las malas críticas y la escasa asistencia a las primeras proyecciones en agosto de 1975 estuvieron a punto de condenar a The Rocky Horror Picture Show al fracaso, y de hecho se canceló un estreno en Nueva York la noche de Halloween. Pero la película encontró una segunda vida en las proyecciones de medianoche, y ahora siempre puede volver a hacer el viaje en el tiempo. Su animada energía invita al público a disfrazarse y a cantar y bailar, convirtiendo a Rocky Horror en la película definitiva para la hora de las brujas.
11. Brasil (1985)
(Crédito de la imagen: Universal)
Terry Gilliam ha soportado el dolor de los bombazos de taquilla más de una vez, como con Las aventuras del Barón Munchausen en 1988 y El teorema cero en 2013. Pero ninguna película suya es a la vez un clásico célebre y un fracaso financiero como su comedia de ciencia ficción de 1985 Brasil. Una exploración absurdista de las entrañas de la burocracia y el capitalismo sin trabas, Brasil no recaudó lo suficiente para recuperar su presupuesto de 15 millones de dólares en su estreno original en salas. Pero ahora se considera una de las mejores películas británicas de todos los tiempos, y su influencia se deja sentir en franquicias modernas como Star Wars: Los últimos Jedi y la serie de Marvel Loki.
10. El gigante de hierro (1999)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
En el conmovedor regreso de Brad Bird a la ciencia ficción de la Edad de Plata, un niño se hace amigo de un robot alienígena gigante (al que pone voz Vin Diesel) en esta historia sobre la identidad, el propósito y la paz frente a la guerra. («¿Y si un arma tuviera alma y no quisiera ser un arma?» fue la idea que Bird lanzó a Warner Bros.). Las proyecciones de prueba y las críticas favorables conmocionaron al estudio, que no dispuso de una campaña publicitaria adecuada antes de su estreno en abril de 1999. Sólo el vídeo doméstico, el pago por visión y las emisiones navideñas de 24 horas en Cartoon Network hicieron de El gigante de hierro un clásico colosal.
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9. Blade Runner (1982)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Basada en una novela de Philip K. Dick, la muy influyente película de ciencia ficción negra de Ridley Scott sobre un cazarrecompensas de robots humanoides -un «Blade Runner», interpretado por un duro Harrison Ford- no consiguió electrizar la taquilla debido a la dura competencia de E.T el Extraterrestre, Conan el Bárbaro y Star Trek II: La ira de Khan. Pero su enorme influencia es ineludible hoy en día, con referencias a ella que se encuentran en otras películas, cómics y videojuegos. Aunque Blade Runner es universalmente querida, es una franquicia cuyas perspectivas comerciales siempre parecen perderse en el tiempo, como lágrimas en la lluvia.
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8. Blade Runner 2049 (2017)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Al igual que su predecesora, Blade Runner 2049, de Denis Villeneuve, es ambiciosa, audaz, provocativa, y aun así no creó océanos de dinero para el estudio. Aún así, la aclamada secuela da la vuelta al guión al seguir a K (Ryan Gosling), un «replicante» artificial y Blade Runner que se cuestiona si podría ser humano. Coprotagonizada por Harrison Ford, Ana de Armas, Robin Wright, Mackenzie Davis, Jared Leto y Dave Bautista con las gafas más pequeñas que jamás haya visto en la cara de alguien, Blade Runner 2049 es lo que todas las secuelas deberían esforzarse irónicamente por ser: original.
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7. Speed Racer (2008)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Tras su revolucionaria pero divisiva trilogía de Matrix, los Wachowski entraron en la singularidad artística cuando los directores se encargaron de adaptar al cine el icónico anime japonés Speed Racer. Emile Hirsch protagoniza a una superestrella del automovilismo de carreras que busca dejar atrás a la competencia sin dejar de ser leal al garaje de su familia. Speed Racer revoluciona la pantalla con su embestida total a los sentidos, que hizo delirar al público por su desconcertante surrealidad. En los años transcurridos desde entonces, Speed Racer ha conquistado a los cinéfilos que ahora la consideran una obra maestra enormemente infravalorada e incomprendida.
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6. La redención de Shawshank (1994)
(Crédito de la imagen: Columbia)
Resulta difícil de imaginar ahora, cuando es la favorita de padres y tíos de todas partes, pero La redención de Shawshank, de Frank Darabont, basada en la novela de Stephen King, no fue un éxito comercial. A pesar de las abundantes nominaciones a los Oscar y del reconocimiento como una de las mejores películas de los años 90, pocos la vieron cuando se estrenó en septiembre de 1994. (Historia real: Darabont y la productora Liz Glotzer acudieron a su fin de semana de estreno en el Cinerama Dome de Los Ángeles y se encontraron con que eran los únicos allí). Un tono sombrío, un título con sabor a bocado, la competencia de Pulp Fiction y Forrest Gump, y una tendencia hacia las películas de acción se citan como razones de su baja taquilla. Pero ahora, The Shawshank Redemption es aclamada como el patrón oro de la industria y el tipo de obra que todos en Hollywood se esfuerzan por dejar atrás.
5. El club de la lucha (1999)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Los tíos de todo el mundo se ven reflejados en Edward Norton y Brad Pitt, que coprotagonizan el drama psicológico profundamente influyente, artísticamente innovador e ingenioso de David Fincher. Basada en la novela de Chuck Palahniuk, El club de la lucha es transgresora en su retrato del aislamiento masculino moderno. Pero a pesar de su constante presencia en las aulas de las escuelas de cine, El club de la lucha no consiguió arrasar en taquilla debido a un marketing confuso; parte de la estrategia incluía publicidad con la Federación Mundial de Lucha Libre, a lo que Fincher se opuso. ¿Era una película de arte y ensayo? ¿Era una oscura película de acción? Ningún ejecutivo de marketing cinematográfico pudo precisar con exactitud El club de la lucha, pero tras su estreno, de lo único que se habla es de El club de la lucha.
4. Willy Wonka y la fábrica de chocolate (1971)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Las interminables emisiones en televisión y sus numerosos memes hacen que sea fácil creer que Willy Wonka & la fábrica de chocolate fue siempre un éxito. Pero cuando se estrenó en 1971, la versión cinematográfica de Mel Stuart de la novela de Roald Dahl apenas dio un mordisco a la taquilla y tuvo un rendimiento inferior, recaudando 4 millones de dólares. (Incluso para los estándares de 1971, Willy Wonka fue sólo la 24ª película más taquillera de ese año). La película fue tan impopular que Paramount declinó renovar su distribución años más tarde y la vendió a Warner Bros. Fue entonces, mucho después de su estreno, cuando Willy Wonka encontró por fin un público ávido de sus encantos azucarados y sus sustos salados. (¿Qué pasa con la escena del barco?)
3. Es una vida maravillosa (1946)
(Crédito de la imagen: RKO)
Una de las películas navideñas más grandes y queridas de todos los tiempos apenas dio alegrías a sus productores cuando la película, dirigida por Frank Capra y protagonizada por James Stewart, se quedó a más de medio millón de su punto de equilibrio cuando se estrenó en enero de 1947. (Qué oportuno.) Entonces, ¿cómo se convirtió Es una vida maravillosa en una institución cultural? En pocas palabras, un error administrativo en 1974 hizo que la película pasara a ser de dominio público, lo que significó que su emisión en televisión resultó superbarata. Las cadenas se aprovecharon y la emitieron todos los días festivos durante la década de 1980, que es cuando la crisis existencial de George Bailey se convirtió en una tradición estacional para las familias de todo el mundo.
2. Ciudadano Kane (1941)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Considerada durante mucho tiempo como la mejor película de todos los tiempos, el trágico drama de Orson Welles sobre el ascenso y la caída de un magnate de la prensa (en el espíritu de las figuras de la vida real Hearst y Pulitzer) impresionó a la crítica pero no logró recuperar su presupuesto durante su estreno inicial. Fue una década más tarde, gracias a la revalorización de la prensa cinematográfica francesa, cuando Ciudadano Kane resucitó en la conciencia del público. Incluso ahora, la película sigue siendo un logro artístico perdurable gracias a la todavía fascinante dirección de Welles y a su altisonante interpretación de Charles Foster Kane, un titán de la industria cuyo deseo incumplido es simplemente ser feliz como cuando era niño.
1. El mago de Oz (1939)
(Crédito de la imagen: MGM)
Sí. De verdad. Clásico indiscutible que inspiró a múltiples generaciones de artistas y públicos, El mago de Oz de Victor Fleming, protagonizada memorablemente por Judy Garland, no tuvo un camino de baldosas amarillas fácil hacia la Ciudad Esmeralda. Su estreno original recaudó unos sólidos 3 millones de dólares -aproximadamente 66 millones de dólares actuales, ajustados a la inflación-, pero los elevados costes de producción hicieron que no fuera rentable para MGM. (Observó Garland en su autobiografía: «La fantasía siempre es un riesgo en taquilla»). Un reestreno en 1949 reavivó el interés del público por la película, y las numerosas emisiones televisivas a partir de los años 50 permitieron que El mago de Oz encontrara por fin su lugar sobre el arco iris.