En la primera década tras las secuelas de la II Guerra Mundial, la industria cinematográfica mundial no perdió el paso. Pero, ¿cuáles de ellas son realmente las mejores?
A mediados del siglo XX, el arte cinematográfico evolucionó a través del perfeccionamiento del estilo de los estudios comerciales. Al mismo tiempo, las experimentaciones progresistas, como la partitura de música electrónica hasta la adopción generalizada del Technicolor y la panorámica de pantalla ancha, llevaron el medio al siguiente nivel. Mientras todo eso ocurría, las estrellas de cine se acostumbraron a ser las únicas razones por las que el público iba a ver películas en primer lugar.
El ámbito del cine también se amplió a lo largo de la década de 1950. Mientras que las películas de Hollywood de producción estadounidense disfrutaban de un dominio cultural y comercial, las películas de otras partes del mundo – Japón, Suecia, Italia, Francia y otros países – empezaron a entrar en la conversación.
Aunque la imagen predominante de la década de 1950 puede ser la de unos valores estadounidenses sanos, las mejores películas que surgieron en aquellos años fueron todo lo contrario. En medio de la caza de brujas comunista, el comienzo de la Guerra Fría y las atrocidades cometidas y soportadas durante la Segunda Guerra Mundial, las mejores películas de los años 50 están impregnadas de paranoia, obsesión psicológica y valentía insensata contra probabilidades insuperables. Pero también había canto y baile.
Para demostrar lo atmosféricamente diversos que fueron en realidad los años 50, aquí tiene 32 de las mejores películas de la década.
32. Los Diez Mandamientos (1956)
(Crédito de la imagen: Paramount)
La última película de Cecil B. DeMille es posiblemente su obra maestra, una superproducción de Hollywood de proporciones literalmente bíblicas. Basada en múltiples textos fuente, como El príncipe de Egipto de Doroth Clarke Wilson y La columna de fuego de J. H. Ingraham, por no mencionar la Biblia, Los diez mandamientos sigue a Moisés (Chartlon Heston) desde su nacimiento y adopción en Egipto hasta su aceptación de las reglas de Dios en lo alto del monte Sinaí. Más que un biopic épico profusamente diseñado, Los Diez Mandamientos cuenta también la fascinante rivalidad entre Moisés y Ramsés II (Yul Brynner). Sean cuales sean sus creencias, no podrá negar su espectacular majestuosidad. Incluso ahora, Los Diez Mandamientos sigue siendo lo que todas las superproducciones mega-caras de Hollywood deberían esforzarse por emular.
31. Cenicienta (1950)
(Crédito de la imagen: Disney)
Tras el estreno de Blancanieves y los siete enanitos en 1937, Disney se pasó los años 40 amasando poder e influencia como estudio de animación con éxitos de taquilla como Pinocho, Dumbo y Bambi. En 1950, Disney inauguró la década con Cenicienta, una impresionante fantasía musical sobre una huérfana agobiada convertida en la bella del baile, codirigida por Wilfred Jackson, Hamilton Luske y Clyde Geronimi. Posiblemente la precursora de todo lo que define a Disney y su estilo específico de creación de mitos, Cenicienta se mantiene firme en su historia universal de magia, amor verdadero y tener los pies de la talla adecuada. Viéndola ahora, no podrá evitar cantar: «¡Bibiddi-Bobbidi-Boo!».
30. Planeta prohibido (1956)
(Crédito de la imagen: MGM)
«¡No se puede contemplar el rostro de la gorgona y vivir!» Antes de que La guerra de las galaxias cambiara para siempre el lenguaje de la ciencia ficción cinematográfica, existió Planeta prohibido. Dirigida por Fred M. Wilcox y protagonizada por Walter Pidgeon, Anne Francis y Leslie Nielsen, Planeta prohibido es a la vez un glorioso pastiche de la ciencia-ficción pulp clásica y una auténtica innovadora, desde su rompedora partitura musical totalmente electrónica hasta la introducción de conceptos como el viaje más rápido que la luz creado por el hombre. (Su personaje destacado, Robby el Robot, es también una leyenda de Hollywood por derecho propio). Su historia nos habla de un crucero militar enviado a investigar el paradero de unos colonos desaparecidos, una premisa de la que se han hecho eco tantas otras del género en las muchas décadas transcurridas desde entonces.
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29. El séptimo sello (1957)
(Crédito de la imagen: SF Studios)
Desde su estreno en 1957, El séptimo sello de Ingmar Bergman sigue siendo la mejor película del director de todos los tiempos y la responsable de cimentar el lugar de Suecia en el panorama del cine mundial. Una fantasía histórica ambientada durante la peste negra, sigue a un noble caballero (Max von Sydow) que se enfrenta a la encapuchada y siniestra Muerte (Bengt Ekerot) en una partida de ajedrez. Les rodea un conjunto de personajes que actúan en cuadros moralistas que parecen sermones de predicador. En una época subrayada por horrores como el Holocausto y las bombas nucleares, la película de Bergman define por completo su época pero sigue sintiéndose atemporal en su desolación y melancolía.
28. Sunset Boulevard (1950)
(Crédito de la imagen: Paramount)
Hollywood está locamente enamorado de las historias sobre sí mismo, incluso de las más sucias. En 1950, la industria cinematográfica se hallaba firmemente inmersa en una nueva era en la que los «talkies» eran la norma y las estrellas de cine empezaban a amasar más poder e influencia cultural. Entre: Sunset Boulevard de Billy Wilder. Gloria Swanson interpreta a Norma Desmond, una antigua estrella del cine mudo que intenta volver a las andadas con la ayuda del guionista Joe (William Holden). Sunset Boulevard, un sombrío cuento con moraleja sobre la toxicidad y la fugacidad de la fama, es desgarrador como pieza de oscura autorreflexión hollywoodiense. Constituye una adecuada sesión doble con películas como Mulholland Drive, Birdman, Mapa a las estrellas, Érase una vez en Hollywood y Babylon.
27. Les Diaboliques (1955)
(Crédito de la imagen: CinÉdis)
En este thriller de terror psicológico en francés del director Henri-Geoorges Clouzot, la esposa y la amante del cruel director de una escuela trabajan juntas para matarle, sólo para encontrarse atormentadas por sus acciones cuando su cadáver aparece desaparecido. Les Diaboliques (estrenada como Diabolique en EE.UU.) no inventó necesariamente el género de terror, pero su influencia habla por sí misma; el autor de Psicosis, Robert Bloch, citó esta película como una de sus favoritas de todos los tiempos en una entrevista de 1983. Les Diaboliques rebosa tensión y paranoia, y debe ser reconocida como un misterio de asesinato que se lleva a cabo de forma impecable sin derramar ni una gota de sangre.
26. Vacaciones en Roma (1953)
(Crédito de la imagen: Paramount)
Audrey Hepburn y Gregory Peck deslumbran juntos en la desenfadada pero agridulce comedia romántica de William Wyler. En Vacaciones en Roma, Hepburn interpreta a una princesa europea que vaga por Roma y se encuentra en compañía de un encantador periodista estadounidense (Peck). Juntos, los dos disfrutan de un inesperado y romántico paseo por la antigua ciudad, permitiéndose deleitarse en un éxtasis efímero antes de reanudar sus vidas individuales. En la película, una llorosa Hepburn dice: «No sé cómo decir adiós». El perdurable atractivo de Vacaciones en Roma todos estos años después demuestra que el público tampoco lo sabe.
25. Shane (1953)
(Crédito de la imagen: Paramount)
Antes de que los superhéroes dominaran el cine, estaban los pistoleros vaqueros de las películas del Oeste. El género alcanzó su apogeo en la década de 1950, que vio cómo una película se alzaba por encima de todas ellas: Shane, una epopeya panorámica magníficamente dirigida por George Stevens. Basada en el libro de Jack Schaefer, Shane habla de un experto pistolero (Alan Ladd) que desea desesperadamente dejar atrás su historial de violencia. Tras echar raíces con una familia de granjeros en Wyoming, Shane se ve obligado a abandonar su «retiro» para enfrentarse a granujas depredadores y barones despiadados. Al final, la cabalgada de Shane hacia la puesta de sol mientras un niño le pide a gritos que «vuelva» prefigura inadvertidamente la inminente desaparición de los westerns como nuestra representación ideal del heroísmo.
24. Con faldas y a lo loco (1959)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Una de las mejores películas de Marilyn Monroe fue también una de sus últimas. En la screwball crime comedy de Billy Wilder Some Like It Hot, Tony Curtis y Jack Lemmon protagonizan a músicos de jazz de la época de la Prohibición que escapan de los mafiosos de Chicago disfrazándose de señoritas y se unen a una banda femenina itinerante de camino a Miami. Los dos acaban enamorándose de la vocalista y ukeleletista de la banda, Sugar (Monroe) y empiezan a competir por su afecto mientras mantienen sus falsas identidades. Aunque «nadie es perfecto», Some Like It Hot sigue siendo una comedia perfecta.
23. Cantando bajo la lluvia (1952)
(Crédito de la imagen: MGM)
Dirigida y coreografiada por Gene Kelly y Stanley Donen, Cantando bajo la lluvia es mucho más que su sempiterna imaginería de paraguas abiertos, impermeables amarillos y Debbie Reynolds bailando hasta alcanzar la gloria. Ambientada en 1927, el final de la era del cine mudo está cerca cuando la estrella de cine Don Lockwood (Kelly), su mejor amigo pianista Cosmo (Donald O’Connor) y la aspirante a actriz Kathy Selden (Reynolds) trabajan juntos en un nuevo proyecto destinado a sacar provecho de la excitante nueva tecnología del sonido sincronizado con las imágenes en movimiento. Divertidísima y colorista, Singin’ in the Rain saborea el lado más soleado de la evolución siempre hacia adelante de Hollywood que tan a menudo aplasta los sueños.
22. Gojira (1954)
(Crédito de la imagen: Toho)
Más de diez años después de que Japón recibiera el bombardeo nuclear que puso fin a la II Guerra Mundial, un monstruo impío emergió del mar para recordar a la humanidad su inminente aniquilación. Conocido en el mundo occidental como Godzilla, la encarnación original japonesa Gojira de Ishiro Honda es una imponente obra maestra del horror monstruoso donde las atrocidades del hombre y la bestia son indistinguibles. Aunque «Godzilla» se ha convertido desde entonces en un héroe de cómic a ambos lados del Pacífico, los remakes y reboots a lo largo del siglo XXI han intentado devolver a la Gran G sus matices originales de pesadilla a lo Lovecraft. Algunos lo han conseguido. Pero cuando fracasan, aún queda Gojira.
21. El hombre tranquilo (1952)
(Crédito de la imagen: Republic Pictures)
Aunque John Wayne era más conocido como héroe de los westerns de Hollywood, el director John Ford ofrece al público un sabor diferente del icono en su exuberante comedia romántica El hombre tranquilo, basada en un relato corto del Saturday Evening Post. Ambientada en la campiña irlandesa de los años 20, John Wayne interpreta al soldado Thorn, un boxeador estadounidense de origen irlandés que busca comprar la vieja granja de su familia cuando se enamora de la fogosa lugareña Mary Kate (Maureen O’Hara). Rodada en vívido Technicolor, la película de Ford se siente realmente viva en sus impresionantes instantáneas de la Irlanda rural, por no mencionar la hermosa cabellera pelirroja de O’Hara que resalta contra el abundante verdor. Aunque su representación de los roles de género se antoja salvajemente anticuada, no podrá evitar deleitarse con el paisaje que capta Ford.
20. Rebelde sin causa (1955)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Posiblemente la película definitiva de James Dean, el inmortal rompecorazones brilla en el impresionante drama de Nicholas Ray sobre la mayoría de edad que revela la fealdad que bulle en el interior de los adolescentes estadounidenses de la posguerra. Ambientada en Los Ángeles contemporánea, Dean protagoniza a Jim Stark, un adolescente problemático atrapado entre padres pendencieros. Comienza un inestable romance con otra chica de su instituto, Judy (Natalie Wood), que también está aquejada de problemas en casa y se relaciona con un grupo duro. James Dean murió de un accidente de coche en septiembre de 1955, a la edad de 24 años; Rebelde sin causa se estrenó póstumamente sólo unas semanas después de su fallecimiento. Pero el impacto irrevocable de la película ha cimentado el estatus de Dean para la posteridad, asegurando que cada generación pueda ver un pedazo de sí misma en los ojos simpáticos de James Dean.
19. Noche y ciudad (1950)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Temiendo su propia inclusión en la lista negra en medio del macartismo, el cineasta Jules Dassin escapó a Londres e hizo una película impregnada de sospecha, desesperación y desconfianza. En Noche y ciudad, Richard Widmark interpreta a Harry Fabian, un estafador estadounidense autodestructivo que se mete en la acción del circuito de lucha profesional de Londres. Aunque a menudo se pasa por alto en comparación con otros clásicos del cine negro, Noche y ciudad golpea como un puñetazo en el cuerpo como un thriller sórdido que personifica la ficción pulp británica, sus callejones y salas de bar repletos de personajes amorales cuya única lealtad es hacia sí mismos. Aunque existen dos versiones diferentes de la película con finales opuestos -una para el público británico y otra para el estadounidense- Dassin insiste en que el cínico corte americano se ajusta más a su visión.
18. Cuento de Tokio (1953)
(Crédito de la imagen: Shochiku)
Akira Kurosawa emergió en la década de 1950 como uno de los autores más célebres de Japón. Pero entre sus grandes contemporáneos se encontraba Yasujiro Ozu, cuyo estilo modernista y minimalista contrasta fuertemente con las arrolladoras óperas primas de Kurosawa. En 1953, Ozu dirigió la que se considera una de sus obras maestras: Cuento de Tokio, sobre una pareja de jubilados que viaja a Tokio para visitar a sus cuatro hijos adultos vivos. La película de Ozu, que mantiene un ritmo lento y una cámara que casi nunca se mueve, explora la influencia inmediata del mundo occidental sobre Japón en los años posteriores a la II Guerra Mundial y el distanciamiento universal de los padres con respecto a su creciente descendencia. Aunque no es una comedia, su suave sentido del humor revela la resplandeciente belleza que se encuentra en la vida cotidiana de la clase media baja.
17. El horror de Drácula (1958)
(Crédito de la imagen: Universal)
Años después de que los monstruos de la Universal se retiraran a las sombras, el estudio británico Hammer inauguró su propia era comenzando con Drácula (conocida en EE.UU. como El horror de Drácula) con Sir Christopher Lee como el icónico vampiro. En contraste con la icónica pero caricaturesca interpretación de Bela Lugosi como el conde de Transilvania, Lee encarna una iteración más apuesto que saca a la luz el erotismo inherente a los vampiros y su inclinación por morder cuellos y drenar sangre. (Por cierto, la versión de Lee también introdujo dientes de doble colmillo, que Lugosi no tenía en su película de 1931). Lee interpretó a Drácula en muchas más películas después, pero su debut de 1958 sigue reinando.
16. De aquí a la eternidad (1953)
(Crédito de la imagen: Columbia)
En la romántica y sombría epopeya de Fred Zinnemann de 1953, los soldados estadounidenses destinados en Hawai conocen sus destinos en los días previos a los ataques a Pearl Harbour. Aunque su reparto, repleto de estrellas, incluye a Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr y Donna Reed, es Montgomery Clift el que ancla la película como el soldado Robert E. Lee «Prew» Prewitt, un soldado dedicado y talentoso jugador de corneta que se niega a complacer los deseos de su capitán de conseguirle campeonatos de boxeo. Todos los presentes, todos ellos iconos del último tramo de la Edad de Oro de Hollywood, están en plena forma como condenados en marcha a cuando sus vidas cambien para siempre. Montgomery Clift era famoso por resistirse a interpretar muchos papeles, pero De aquí a la eternidad está fácilmente entre sus mejores.
15. Trono de sangre (1957)
(Crédito de la imagen: Toho)
La apasionante adaptación de Akira Kurosawa del Macbeth de Shakespeare está protagonizada por el imborrable Toshiro Mifune, en el papel de un samurái análogo a Macbeth que aprende de un espíritu maligno del bosque su inminente futuro como señor de un castillo. Fusión cultural de motivos shakesperianos con la escenografía del teatro japonés Noh, Trono de sangre embruja como una pesadilla llena de niebla en la que el poder llega fácil pero la fuerza para aferrarse a él tiene un gran coste. En parte thriller político, en parte terror-fantasía, Trono de sangre es todo un sobrecogimiento que se gana la inmortalidad en una granizada de flechas.
14. 12 Angry Men (1954)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Prácticamente cada generación tiene su versión de 12 Angry Men. Pero en 1957, el director Sidney Lumet llevó a la pantalla una producción inolvidable con un reparto que incluía a Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman y Henry Fonda, entre otros. Basada en la obra teatral de 1954 de Reginald Rose, 12 Angry Men se centra en los desacuerdos de un jurado que delibera febrilmente sobre la condena o absolución de un adolescente acusado de asesinato. Prácticamente todos los dramas judiciales posteriores han tomado sus referencias de 12 Angry Men, que encierra todo su drama en una única sala del jurado pero que ni una sola vez se siente confinada.
13. Ben-Hur (1959)
(Crédito de la imagen: MGM)
Los Diez Mandamientos no fue la única superproducción religiosa de la década de 1950. En 1959, Charlton Heston protagonizó el papel principal de la galardonada epopeya de escala inconmensurable de William Wyler. Literalmente, cientos de artesanos trabajaron entre bastidores, incluidos 100 fabricantes de vestuario, 200 artistas, 10.000 extras además de unos 200 camellos y 2.500 caballos, todos ellos necesarios para llevar al límite el entonces nuevo formato de pantalla ancha. Pero donde Ben-Hur triunfa inexplicablemente es en cómo sigue contando la historia centrada de Judá Ben-Hur, el héroe de la novela de Lew Wallace de 1880 sobre un príncipe judío que es esclavizado por los romanos y más tarde se encuentra con el único Jesucristo. Ni siquiera las secuelas de las franquicias mega-caras de hoy en día se acercan a la majestuosidad de Ben-Hur.
12. Un tranvía llamado deseo (1951)
(Crédito de la imagen: Warner Bros.)
Basada en la obra de Tennesee Williams ganadora del Pulitzer que dramatiza las relaciones tóxicas, la adaptación de Elia Kazan está protagonizada por Vivien Leigh, Kim Hunter y, por supuesto, Marlon Brando. La belle sureña Blanche (Vivian Leigh) viaja desde Mississippi para vivir con su hermana en un destartalado apartamento de Nueva Orleans. Aunque ayuda que el material en el que se basa sea en sí mismo un clásico venerado en el que los mejores actores pueden hincar el diente, la versión cinematográfica de Kazan es un verdadero portento por cómo capta a algunos de los mejores actores que Hollywood ha visto jamás en su mejor momento.
11. Senderos de gloria (1957)
(Crédito de la imagen: United Artists)
En la conversación sobre Stanley Kubrick, a menudo se pasa por alto su película bélica de 1957 Senderos de gloria; sus otras obras maestras como 2001: Una odisea del espacio, La naranja mecánica, El resplandor, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut suelen dominar la atención de la gente. Pero Kubrick exhibió sus inusuales pero incisivas habilidades como maestro visual en su cuarta película. Ambientada en la Primera Guerra Mundial en Francia, Senderos de gloria está protagonizada por Kirk Douglas en el papel de un oficial al mando que se niega a seguir adelante en lo que es esencialmente un ataque suicida y que posteriormente desafía las acusaciones de cobardía que pesan sobre él en un consejo de guerra. Kubrick tenía sólo 29 años cuando dirigió Senderos de gloria, y la expectación en torno a su impecable dirección le siguió durante años, incluso después de su muerte en 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Crédito de la imagen: Rialto Pictures)
Si un sueño erótico pudiera ser una película, se parecería a Hiroshima mon amour. En esta coproducción entre Francia y Japón, el director Alain Resnais deja caer bruscamente al público en la intimidad de un hombre japonés (Eiji Okada) y una mujer francesa (Emmanuelle Riva), con sus cuerpos cubiertos tanto de sudor como de ceniza. La película se desarrolla de forma no lineal, narrando el breve romance de estos dos extraños en el Japón de posguerra, recién atormentado por la devastación nuclear. Esta historia de amor imposible y meditación sobre los traumas internacionales ayudó a catapultar la Nueva Ola Francesa al público mundial.
9. La guerra de los mundos (1953)
(Crédito de la imagen: Paramount)
Basada en la novela de H.G. Wells de 1898, la versión cinematográfica de Byron Haskin de 1953 ve la California meridional contemporánea como la frontera de una invasión de fuerzas marcianas. Con la legendaria emisión radiofónica de Orson Welles aún en la mente del público en el momento de su estreno, La guerra de los mundos aprovecha el cine como medio visual con el notable contraste entre la primitiva artillería del ejército estadounidense y la elegante tecnología de otro mundo de Marte. Innovadora como festín de efectos especiales, pero inmortal como angustiosa historia que advierte de que los humanos nunca pueden estar demasiado seguros como especie más inteligente.
8. High Noon (1952)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Dirigida por Fred Zinneman, el clásico del Oeste High Noon transcurre en tiempo real mientras sigue a un alguacil de pueblo (Gary Cooper) atrapado entre enfrentarse solo a una banda de granujas o escapar con su esposa (Grace Kelly). Con su potente destilación del heroísmo del Oeste reducido a un solo hombre contra una horda malvada, High Noon ayudó a reimaginar y revitalizar los westerns en los años venideros. No debería sorprender a nadie que múltiples presidentes de Estados Unidos hayan expresado su admiración por High Noon, entre ellos Dwight Eisenhower, Ronald Reagan y Bill Clinton.
7. On the Waterfront (1954)
(Crédito de la imagen: Columbia)
Inspirada en una serie de artículos de Malcolm Johnson para el New York Sun que ganaron el Pulitzer, On the Waterfront reúne a la directora Eliza Kazan con Marlon Brando en un drama abrasador sobre el crimen y la corrupción en los muelles de Hoboken, Nueva Jersey. Brando interpreta a Terry Malloy, un antiguo boxeador que intencionadamente organizó una pelea a petición de un jefe de la mafia. Ahora que trabaja como estibador, Terry se horroriza cuando se ve obligado a guardar silencio tras presenciar el asesinato de un compañero del muelle. On the Waterfront es una de las muchas películas de principios de los 50 que utilizaron su narrativa para condenar el macartismo, pero su historia resuena más allá de aquellos tiempos como un retrato de la impotencia ante las adversidades abrumadoras.
6. Los siete samuráis (1954)
(Crédito de la imagen: Toho)
El clásico épico de Akira Kurosawa sobre unos samuráis que se unen para defender un pueblo vulnerable, de forma gratuita, inspira y emociona incluso después de todos estos años. Con un reparto encabezado por Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi y Toshiro Mifune, el relato de Kurosawa generó su propio subgénero de hombres pendencieros que se unen por una causa noble y no por intereses egoístas. No sólo ha habido remakes directos, como Los siete magníficos de 1960 (que reimaginó la película como un western de vaqueros), sino también homenajes espirituales en películas como La docena sucia, Salvar al soldado Ryan, The Expendables, Los Vengadores, Liga de la Justicia y toda la franquicia de La guerra de las galaxias.
5. North by Northwest (1959)
(Crédito de la imagen: MGM)
Alfred Hitchcock cerró la década de 1950 con su thriller de espionaje North by Northwest, un gigante perdurable del cine. Protagonizada por Cary Grant y Eva Marie Saint, la película sigue a un hombre inocente (Cary Grant) que huye por su vida a través de Estados Unidos de unos misteriosos agentes que creen que está contrabandeando secretos del gobierno. En 1959, Hitchcock ya era un artista célebre, pero con North by Northwest cimentó firmemente su brillantez en una película que era en conjunto suspense y juego.
4. La ventana indiscreta (1954)
(Crédito de la imagen: Paramount)
En este apasionante misterio urbano, un fotógrafo que se está curando de una pierna rota (James Stewart) sospecha que su vecino de enfrente podría haber asesinado a alguien. Con la ayuda de su inquieta novia de la alta sociedad (Grace Kelly) y de su enfermera (Thelma Ritter), el personaje de Stewart, Jeff, busca justicia sin perder la cabeza. Incluso en los tiempos modernos, cuando nuestros feeds sociales hacen pleno uso de la filmación POV y las cámaras de nuestros smartphones nos han convertido a todos en fotógrafos aficionados, la película de Hitchcock muestra el poder dramático en una perspectiva limitada.
3. Umberto D. (1952)
(Crédito de la imagen: Rialto Pictures)
En este clásico neorrealista del cineasta italiano Vittorio De Sica, un pobre anciano de Roma hace todo lo posible por sobrevivir con su perro. La película fue impopular entre el público italiano en el momento de su estreno, dado que Italia en su conjunto estaba en plena recuperación de posguerra y un hombre frágil mendigando por las calles no era halagador para su imagen. Pero el público de todo el mundo ha llegado a admirar Umberto D. como una historia desgarradora en la que la bondad ha sido erosionada por la modernidad. Un clásico de piedra del cine mundial, Umberto D. tiene muy poco que ofrecer pero mucho que dar.
2. Bésame mortal (1955)
(Crédito de la imagen: United Artists)
Para que nadie piense que la década de 1950 era abotonada, bien educada y llena de valores sanos, he aquí la oscuridad de Bésame mortal. La adaptación cinematográfica de Robert Aldrich de la novela de Mickey Sillane habla de un detective, Mike Hammer (Ralph Meeker) que recoge a una mujer que hace autostop (Maxine Cooper), dando comienzo a una noche horrible e inolvidable. Aclamada como precursora de la Nueva Ola francesa y entendida como una metáfora de la Guerra Fría, Bésame mortal ha influido en los gigantes más venerados del cine, como François Truffaut, Jean-Luc Godard y Quentin Tarantino. Es, sencillamente, una obra imponente.
1. Vértigo
(Crédito de la imagen: Paramount)
El thriller psicológico Vértigo, de Alfred Hitchock, estrenado en 1958, figura regularmente en numerosas listas de las mejores películas; en 2012, desbancó a Ciudadano Kane del codiciado puesto número uno en The Sight & Sound Greatest Films of All Time. Es aclamada como tal por una buena razón. James Stewart interpreta a John «Scottie» Ferguson, un detective retirado que renunció a su placa tras sufrir acrofobia, es decir, miedo a las alturas. Pero cuando Scottie es contratado por un conocido para seguir a su esposa, Madeleine (Kim Novak), Scottie debe enfrentarse a sus miedos. Con su preocupación por la obsesión psicológica, Vértigo divide por poco la diferencia entre el entretenimiento desenfrenado y el estilo cerebral de cine de arte y ensayo, a veces difuminando los dos de formas que sólo Alfred Hitchcock sabía hacer. Aunque no le parezca la «mejor película de todos los tiempos», es sin duda una de las mejores de su década.