Después de que pasara el delirio del nuevo milenio, el público entró en la década de 2000 desafiado por, bueno, todo. Pasaron tantas cosas que es fácil olvidarse de ciertas películas. Pero, ¿cuáles son en realidad las mejores películas infravaloradas, en su mayoría olvidadas, de la década de 2000?
Cuando se calmó la histeria del efecto 2000, la década del 2000 fue testigo de una serie de desafíos existenciales que acecharon al público cinéfilo. Desde el terrorismo hasta la bancarrota, pasando por el rápido auge de Internet y las redes sociales, la década de 2000 vio cómo los éxitos de Hollywood se hacían cada vez más grandes, mientras que el cine independiente atraía al público con historias más pequeñas e íntimas. La mencionada Internet también desempeñó un papel enorme en cambiar el cine para siempre; el streaming de Netflix comenzó en 2007, dando el pistoletazo de salida a un cambio insondable en el arte y el negocio del cine que pocos podrían haber previsto.
Con tantas cosas que ocurrieron en la década de 2000, es demasiado fácil olvidar ciertas películas, aunque las haya visto antes. He aquí las 32 mejores películas de la década de 2000 que (probablemente) haya olvidado por completo.
32. El tren de la carne de medianoche (2008)
(Crédito de la imagen: Lionsgate)
Antes de que Bradley Cooper se convirtiera en un habitual de los Oscar, dirigió la poco vista película de terror El tren de la carne de medianoche, del director japonés Ryuhei Kitamura. Basada en un relato corto de Clive Barker, Cooper interpreta a un fotógrafo que desarrolla una obsesión por un asesino en serie (interpretado por Vinnie Jones) que tiene como objetivo a sus víctimas en el metro. Estrenada en una época en la que las películas «porno de tortura» tipo Saw estaban de moda, El tren de la carne de medianoche pasó sin demasiada atención, aunque sigue siendo una de las favoritas, más aún a la sombra del superestrellato de Cooper. El verdadero poder de la película reside en su mensaje principal, en cómo las cosas que nos asustan son también las que nos intrigan y nos acercan.
31. La chica de al lado (2004)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Una comedia romántica subidita de tono como ninguna otra, La chica de al lado está protagonizada por Emilie Hirsch en el papel de una ambiciosa estudiante de último curso de instituto que se entera de que su vecina de al lado, una joven guapa y vivaracha (interpretada por Elisha Cuthbert) es una estrella del cine para adultos. Hilarante y sorprendentemente enternecedora, su extraña premisa no entusiasmó a la crítica contemporánea, que otorgó a la película críticas mediocres. Sin embargo, desde su estreno, La chica de al lado ha desarrollado un feroz culto de fans que ven algo dulce bajo su superficie escasamente vestida. Ayuda que la película también esté protagonizada por actores de la talla de Timothy Olyphant y Paul Dano, que no han hecho sino hacerse más famosos con el paso del tiempo.
30. Kill Zone (2005)
(Crédito de la imagen: ABBA Movies Co. Ltd.)
El superestrellato de Donnie Yen a través de la serie Ip Man ha atraído retroactivamente la atención hacia sus trabajos anteriores, en particular sus vehículos de acción de la década de 2000. Por encima de todos ellos se encuentra SPL: Sha Po Lang (estrenada en EE.UU. con el título más llamativo de Kill Zone), un batacazo estelar dirigido por Wilson Yip. Yen interpreta a un policía de Hong Kong que es trasladado a una comisaría que está a punto de detener a un importante jefe de una tríada. También protagonizada por Sammo Hung, Simon Yam y Wu Jing, Kill Zone es una epopeya de gángsters repleta de estrellas con una coreografía deslumbrante que divide la diferencia entre el realismo despiadado y el caos exagerado. Aunque fue un éxito en Asia, Kill Zone aún no ha recibido mucha atención en el resto del mundo.
29. Los salvajes (2007)
(Crédito de la imagen: Fox Searchlight Pictures)
En esta deliciosa comedia negra de Tamara Jenkins, Philip Seymour Hoffman y Laura Linney coprotagonizan a unos hermanos pendencieros cuya falta de padre al crecer no les dio ninguna instrucción sobre cómo ser una familia. Pero cuando su ausente padre (Philip Bosco) empieza a mostrar signos de demencia, los hermanos aprenden por fin a quererse antes de que sea demasiado tarde. A pesar de su dura y pesada premisa, Los salvajes nunca deja de inspirar unas cuantas risas. ¿Por qué no habría de hacerlo? Afrontémoslo, hay pocas cosas en la Tierra tan divertidas como la familia. A pesar de acumular unas cuantas nominaciones al Oscar a su nombre, Los salvajes ha pasado en gran medida desapercibida.
28. Fiesta de la cerveza (2006)
(Crédito de la imagen: Warner Bros. Pictures)
La década de 2000 fue una época dorada para las comedias con calificación R, y una de las dinastías de esa época fue el grupo cómico Broken Lizard. Aunque su comedia de 2002 Super Troopers sigue siendo interminablemente citable, su sátira deportiva de 2006 Beerfest merece tanto o más amor. Ambientada en un mundo clandestino de competición de consumo de cerveza, Beerfest sigue a un grupo de desordenados estadounidenses que se entrenan durante un año para jugar contra un equipo de élite alemán que ha mancillado el honor de su familia. Podría decirse que es la película más ajustada de Broken Lizard y quizá la más picante, Beerfest cuenta con un desfile de improbables actores secundarios y cameos -entre ellos Cloris Leachman, Donald Sutherland, Will Forte y Willie Nelson- que elevan una película ridículamente tonta a una gran fiesta. Hasta el fondo.
27. El planeta del tesoro (2002)
(Crédito de la imagen: Disney)
Desde el renacimiento de Disney, el afamado estudio puede parecer a veces invencible. Pero no todo lo que ha hecho ha sido un éxito. En 2002, el estudio estrenó El planeta del tesoro, una aventura de ciencia ficción y un híbrido único de animación en 2D y 3D. Aunque la película no fue la primera en reimaginar la novela de 1883 de Robert Louis Stevenson La isla del tesoro con elementos de ciencia ficción -tampoco era la primera vez que Disney utilizaba el material original-, la película pretendía lanzar una nueva franquicia singular de Disney en la línea de sus otros megaéxitos animados. Aunque se estrelló en taquilla, la película se ha ganado con el tiempo al público gracias a su espectacular imaginación y a su intemporal sentido de la aventura.
26. Sunshine (2007)
(Crédito de la imagen: Fox Searchlight Pictures)
Sunshine es una película repleta de grandes talentos que, sin embargo, se ha convertido en su mayor parte en una entidad olvidada entre las obras de todo el mundo. Estrenada en 2007 y dirigida por Danny Boyle, Sunshine es un thriller apocalíptico de ciencia ficción ambientado en el año 2057 en el que un grupo de astronautas viaja para volver a encender el sol moribundo del sistema solar. Dirigida por Cillian Murphy, de Oppneheimer, la película también está coprotagonizada por Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong y Mark Strong. La intención de Boyle era crear un reparto internacional, e incluso hizo que sus actores vivieran juntos y aprendieran los entresijos de las singulares profesiones de sus personajes para sumergirse en ellos. Aunque Sunshine fue un desastre de taquilla, la película atrae habitualmente la atención de la gente sorprendida por su premisa urgente y su ridícula colección de talentos conocidos.
25. El calamar y la ballena (2005)
(Crédito de la imagen: Samuel Goldwyn Films)
Muy inspirada en la propia adolescencia del guionista y director Noah Baumbach, que vivió el divorcio de sus padres, El calamar y la ballena está protagonizada por Jeff Daniels y Laura Linney como los pendencieros padres de Walt Berkman (Jesse Eisenberg), todos ellos viviendo en el Brooklyn de los años ochenta. Rodada en Super 16 en lugar del más moderno vídeo digital – una marca registrada del cine indie de los años ochenta – El calamar y la ballena se ve y se siente notablemente como una película que sus propios personajes habrían visto en el cine, para salvar sin remedio sus relaciones en decadencia. Aunque muchos de los implicados en El calamar y la ballena, incluido Baumbach, han logrado una mayor aclamación de la crítica y el éxito en Hollywood, El calamar y la ballena se siente subestimada a pesar de sus valiosas cualidades.
24. Harold & Kumar Go to White Castle (2004)
(Crédito de la imagen: New Line Cinema)
Es fácil descartar Harold & Kumar Go to White Castle como otra estúpida comedia de clasificación R con un humor groseramente ofensivo. Porque es eso. Pero también fue discretamente revolucionaria para 2004: sus protagonistas no eran otro par de odiosos tipos blancos bocazas, sino odiosos tipos asiáticos bocazas. John Cho y Kal Penn coprotagonizan como mejores amigos y compañeros de piso cuyo antojo de comida rápida se tuerce. Aunque la película ni siquiera intenta darse aires de importancia -hay literalmente una escena en la que Harold y Kumar montan a guepardo-, tiene su parte de inesperada conmoción, en la forma en que explora la floreciente angustia milenial y las agobiantes expectativas de los padres inmigrantes. Incluso si su humor chocante no le ha permitido envejecer con gracia, Harold & Kumar Go to White Castle todavía puede dar en el clavo.
23. Foto de una hora (2002)
(Crédito de la imagen: Fox Searchlight Pictures)
Un thriller incómodamente oscuro en el que Robin Williams juega a contracorriente como el problemático antagonista, One Hour Photo, de Mark Romanek, es una película de suspense muy ajustada que aún se mantiene en pie después de tantos años. Cuenta la historia de Sy Parrish, un solitario técnico fotográfico que alberga una obsesión secreta hacia una familia cuyas fotos ha revelado durante años. One Hour Photo fue un éxito y los críticos destacaron la cautivadora interpretación de Williams. Pero cuando se trata de la totalidad del legado cinematográfico de Williams, no es la película que nadie recuerde de memoria. Tras la muerte de Robin Williams en 2014, sus conmovedoras comedias acapararon la mayor atención, no aquella en la que interpreta al trastornado acosador de una familia inocente. Pero el tiempo ha sido muy amable con One Hour Photo, ya que las redes sociales han hecho que todos nos obsesionemos un poco con la vida de los demás de formas que deberíamos admitir que no son saludables.
22. Es complicado (2009)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Las comedias románticas prosperaron en la década de 2000, y eso se debe en gran parte a la cineasta Nancy Meyers. En 2009, la desternillante comedia romántica de Meyers, It’s Complicated (Es complicado), desafió alegremente las convenciones del género con una tórrida historia centrada en adultos en la cincuentena. Meryl Streep protagoniza la película en el papel de Jane, que reaviva un romance secreto con su ex marido (Alec Baldwin) mientras se enamora de un arquitecto (interpretado por Steve Martin). It’s Complicated fue un éxito comercial y obtuvo varias nominaciones dignas de mención a los Globos de Oro, pero con el tiempo cayó entre las grietas de nuestra conciencia cultural al tiempo que las propias comedias románticas desaparecían lentamente de los cines. Después de todo este tiempo, It’s Complicated es cualquier cosa menos difícil de asimilar, siendo un acogedor y caótico bocado de una película con interpretaciones obscenamente geniales de gran energía.
21. El hombre que no estaba allí (2001)
(Crédito de la imagen: Focus Features)
Es difícil decir con cara seria que una película de los hermanos Coen está «olvidada». Pero cuando su corpus de trabajo incluye películas como Fargo, El gran Lebowski, No es país para viejos y Inside Llewyn Davis, entonces sí, puede que otras películas pasen desapercibidas. Entre: El hombre que no estaba allí, un gran thriller de 2001 que rinde homenaje al cine negro en blanco y negro de la década de 1940. Billy Bob Thorton protagoniza a un barbero californiano que intenta chantajear al amante de su mujer -que es también su jefe- para obtener dinero de una inversión. Los críticos aclamaron la película, pero no consiguió atraer la atención de un público cuyos ojos estaban puestos en los otros dos grandes éxitos de 2001: Harry Potter y la piedra filosofal y El Señor de los Anillos: La Comunidad de los Anillos. Ambas se estrenaron con un mes de diferencia y eclipsaron a El hombre que no estuvo allí en su estreno de noviembre de 2001.
20. La hora 25 (2002)
(Crédito de la imagen: Buena Vista Distribution Pictures)
Tras el 11-S, el neoyorquino Spike Lee se encargó de retratar la crisis existencial de toda una ciudad a través de 25th Hour. Basada en una novela de David Benioff (sí, el mismo David Benioff que co-creó Juego de Tronos para HBO), 25th Hour está protagonizada por Edward Norton en el papel de un hombre que deambula por Nueva York, su hogar, en sus últimas 24 horas de libertad antes de cumplir condena en prisión. Aunque el libro de Benioff fue escrito y publicado antes del 11-S, Spike Lee incorporó los atentados a su película como parte de su interrogatorio sobre la ciudad y la idea más amplia de encontrarse en una proverbial encrucijada. Al igual que Ciudad abierta, de Roberto Rossellini, que capta Roma tras la ocupación nazi, La hora 25 de Spike Lee documenta una ciudad aún en recuperación. Deberíamos alegrarnos de que lo hiciera.
19. 12 asaltos (2009)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Antes de que la carrera como actor de John Cena despegara realmente, su condición de superestrella de la lucha libre profesional le sirvió para protagonizar algunas películas de acción de gama media financiadas por la propia entidad cinematográfica de la WWE, WWE Studios. Mientras que su primer largometraje, The Marine, es enteramente un proyecto de vanidad para impulsar artificialmente su perfil de celebridad, su segunda película, 12 Rounds, es mucho más absorbente. Dirigida por el autor de acción Renny Harlin, Cena interpreta a un agente del FBI que se ve obligado a jugar un peligroso juego por un carismático traficante de armas, interpretado por Aidan Gillen, de Juego de Tronos. Aunque en apariencia es una imitación de Jungla de Cristal con Venganza, John Cena demuestra ser una promesa temprana como actor y estrella más allá del cuadrilátero. No se tiene al John Cena de Blockers y Peacemaker sin verle cortarse los dientes en 12 Rounds.
18. ¡Salvados! (2004)
(Crédito de la imagen: MGM)
La comedia picante para adolescentes se encuentra con la sátira religiosa en la endiabladamente hilarante ¡Salvados! de Brian Dannelly.. Jena Malone protagoniza la película como la adolescente cristiana Mary Cummings, que intenta «curar» a su novio gay manteniendo relaciones prematrimoniales sólo para acabar embarazada. Protagonizada también por Mandy Moore, Macaulay Culkin y Mary-Louise Parker, Salvados es un motín sagrado que destroza las hipocresías de la religión organizada dentro de los confines de las películas para adolescentes a lo John Hughes y American Pie. Podría decirse que lo mejor de la película es Mandy Moore; conocida principalmente como estrella del pop durante su estreno, la abrasadora interpretación de Moore como una bravucona santurrona y prepotente es algo así como una revelación.
17. Dr. Horrible’s Sing-Along Blog (2008)
(Crédito de la imagen: Mutant Enemy Productions)
Durante la huelga del Sindicato de Guionistas de América de 2007-2008, el creador de Buffy Cazavampiros, Joss Whedon, co-creó un musical de micro-presupuesto que no sólo encontró una manera de obtener ingresos durante un momento difícil en Hollywood, sino que creó algo que se sentía vanguardista y relevante para la era de la blogosfera. Junto con Zack Whedon, Maurissa Tancharoen y Jed Whedon, todos ellos idearon Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, un musical cinematográfico independiente realizado por profesionales que fue, fíjese bien, lanzado a Internet para su visionado en streaming gratuito. Eso fue algo insondablemente grande en 2008. Que Dr. Horrible’s Sing-Along Blog fuera también hilarante y devastadora en todos los sentidos es la guinda del pastel. En la cima de su fama de Cómo conocí a vuestra madre, Neil Patrick Harris protagoniza a un aspirante a supervillano cuya iniciación en la Liga del Mal le exige cometer un crimen atroz. También protagonizada por Felicia Day y Nathan Fillion, Dr. Horrible’s Sing-Along Blog es una advertencia divertida y dolorosamente hermosa de que las cosas que más quiere pueden costarle lo que no quiere perder.
16. Happy-Go-Lucky (2008)
(Crédito de la imagen: Momentum Pictures)
A pesar de haber convertido en estrella a Sally Hawkins, Happy-Go-Lucky -dirigida por el prolífico cineasta británico Mike Leigh- ha pasado desapercibida desde su estreno en 2008. Tal vez fuera el momento oportuno. En su historia sobre una despreocupada maestra de escuela (Hawkins) que choca con el hastiado mundo que la rodea, Happy-Go-Lucky propugna las virtudes de mantener una actitud positiva. La positividad era bastante difícil de mantener a finales de la década de 2000, y sólo se ha vuelto más difícil desde entonces. Pero Hawkins irradia suficiente energía como para pensar que ser feliz es realmente una elección que uno puede hacer, en lugar de ser el resultado final de otra cosa.
15. Desatado (2005)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
En la que quizá sea una de las mejores interpretaciones de Jet Li como actor dramático (no se preocupe, sigue pateando culos), Desatado, de Louis Letterier, presenta a la estrella del kung fu como Danny, un hombre rabioso «criado» por un gángster despiadado (interpretado por Bob Hoskins) para que sea su guardaespaldas personal. Danny pronto acaba al cuidado de un afinador de pianos ciego (Morgan Freeman) y de su hijastra (Kerry Condon), que proporcionan a Danny el entorno enriquecedor que se le negó toda su vida. Estrenada en competencia directa con La guerra de las galaxias: la venganza de los Sith, Unleashed pasó bastante desapercibida y desde entonces se ha convertido en una joya pasada por alto. Pero Unleashed tiene tanto corazón como golpes contundentes.
14. Lars y la chica de verdad (2007)
(Crédito de la imagen: MGM)
Inspirada por su tropiezo con la página web oficial de RealDoll, la guionista y directora Nancy Oliver elaboró un riff conmovedor y simpático de la tragedia griega Pigmalión a través de su dramedia de 2007 Lars y la chica de verdad. Ryan Gosling protagoniza el papel del amable pero socialmente torpe Lars, cuyo romance con una muñeca sexual de apariencia real llamada Bianca preocupa a todos los que le rodean. Aunque Gosling se ha labrado una carrera interpretando al arquetipo de hombre de ensueño de Hollywood -después de todo, fue el Ken de Barbie-, Lars y la chica de verdad hace gala de los atributos camaleónicos de Gosling, ofreciendo una interpretación que realmente hace que uno sienta por el desvalido (pero no desesperado) sentido del valor de su personaje.
13. Yo, yo mismo e Irene (2000)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
Aunque su premisa de satirizar el trastorno de identidad disociativo es ofensiva incluso sobre el papel, Jim Carrey opera con un grado de potencia tan alto en la comedia negra de los hermanos Farrelly Me, Myself & Irene que es fácil reírse con él. (En serio, sólo hay que ver su «transformación». Le reto a que no se asombre de lo que Carrey puede hacer con su cara). Carrey protagoniza la película como Charlie, un manso policía estatal de Rhode Island cuyos años de ira reprimida le llevan a desarrollar un alter ego más confiado y violento. Aunque la mayor parte de la comedia de la película gira en torno a lo cómicamente inconveniente que puede resultar una doble personalidad, Yo, yo mismo e Irene también contiene un montón de humor de choque que le mantiene en vilo. No es que ya no se pueda hacer una comedia vulgar como Yo, yo mismo e Irene. Es que nadie puede llevarla a cabo tan bien.
12. Sunshine Cleaning (2008)
(Crédito de la imagen: Relativity Media)
En la deliciosa comedia indie de Christine Jeffs Sunshine Cleaning, Amy Adams y Emily Blunt coprotagonizan el papel de hermanas que se meten en el negocio de la limpieza de escenas de crímenes atroces. Aunque obtuvo críticas positivas de la crítica y fue un éxito modesto en taquilla, los descomunales estrellatos tanto de Adams como de Blunt han hecho de Sunshine Cleaning algo secundario en sus carreras. Adams tiene sus Oscar, y Blunt ha estado en todo, desde musicales de Disney a epopeyas de Christopher Nolan. No obstante, Sunshine Cleaning triunfa como un radiante indie de mediados de los ochenta con un insondable poder de estrella.
11. Titan A.E. (2000)
(Crédito de la imagen: 20th Century Studios)
El prolífico cineasta de animación Don Bluth estrenó su última película en cines en el año 2000, una aventura épica de ciencia ficción titulada Titán A.E. Ambientada en un futuro lejano en el que la Tierra ha sido destruida y la humanidad es una especie nómada diseminada por las estrellas, Cale (al que pone voz Matt Damon) descubre un secreto para ayudar a dar a la humanidad un nuevo hogar. Titan A.E. fue un bombazo en taquilla, en gran parte debido a un elevado presupuesto de producción y a los despidos en Fox Animation Studios que dificultaron los esfuerzos de marketing. Sin embargo, en los años transcurridos desde su estreno, Titán A.E. se ha convertido en un clásico de culto, aunque sea la película que más o menos puso fin a la carrera de Bluth como director de cine convencional.
10. Mejor suerte mañana (2002)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
Los verdaderos fans acérrimos de la franquicia Fast & Furious saben que deben incluir Better Luck Tomorrow. Dirigida por Justin Lin y financiada con tarjetas de crédito al límite y una contribución de última hora de MC Hammer, Better Luck Tomorrow sigue a un grupo de adolescentes asiático-estadounidenses superdotados que aprovechan sus portadas como estudiantes modelo para iniciar una vida de delincuencia. Aunque la película está protagonizada principalmente por Parry Shen, Jason Tobin y John Cho, también cuenta con Sung Kang en su primera aparición como Han antes de retomar el papel en la saga Fast. Inspirada libremente en el asesinato en la vida real del adolescente californiano Stuart Tay, Better Luck Tomorrow fue una película que marcó un hito en la representación de los asiático-americanos y que desafió directamente los extendidos mitos de la «minoría modelo».
9. Más extraño que la ficción (2006)
(Crédito de la imagen: Sony Pictures Releasing)
¿Qué pasaría si su vida no fuera suya, sino obra de otra persona? Ésa es la idea que subyace en Más extraño que la ficción, de Marc Forster, protagonizada por Will Ferrell en el papel de un agente de Hacienda que empieza a oír una voz incorpórea que narra su vida como si fuera una novela literaria. Cuando se entera de que se supone que va a morir, según la narración, hace todo lo posible para evitar que suceda. Ferrell brilla en esta hilarante lucha metafísica con el destino, armando sus reputados talentos como actor cómico para adentrarse sin esfuerzo en espacios más dramáticos. Aunque Más extraño que la ficción suele citarse como una de las películas más serias de Ferrell, sigue siendo fácil olvidarse de ella cuando sus amigos siguen citando en voz alta Talladega Nights y Step Brothers.
8. Igby Goes Down (2002)
(Crédito de la imagen: MGM)
Mucho antes de convertirse en un actor galardonado, Kieran Culkin protagonizó la comedia dramática de Burr Steers Igby Goes Down. Culkin interpreta a un adolescente sardónico (Culkin tenía en realidad 20 años en aquella época) que hace horas extras para liberarse de su autoritaria madre y de su adinerada familia. Mejor descrita como un El guardián entre el centeno del siglo XXI, la película es en conjunto una exhibición de la habilidad de Culkin para los personajes sardónicos y un retrato bien escrito de la adolescencia moderna. Ayuda que Culkin también esté rodeado de algunas estrellas de peso, como Jeff Goldblum, Claire Danes, Amanda Peet, Bill Pullman, Jared Harris y Susan Sarandon, todos los cuales elevan el material.
7. Vanilla Sky (2001)
(Crédito de la imagen: Paramount Pictures)
En el remake en inglés de Cameron Crowe de Abre los ojos, de Alejandro Amenábar, un adinerado editor de revistas (interpretado por Tom Cruise) empieza a cuestionarse su propia realidad después de que una amante resentida les conduzca voluntariamente a un accidente físicamente devastador. Parte ciencia ficción existencial, parte drama romántico y parte thriller psicológico, la forma onírica y el ambiguo final de Vanilla Sky la convierten en una de las películas más etéreas de la filmografía de Cruise. Aunque muchas otras películas abordan ideas similares -películas como Matrix, El show de Truman, Más extraño que la ficción y Synecdoche, Nueva York-, Vanilla Sky destaca por su propia ejecución del surrealismo brillante.
6. Arrástrame al infierno (2009)
(Crédito de la imagen: Universal Pictures)
Después de que Sam Raimi terminara su trilogía de Spider-Man, Raimi regresó a sus raíces con Arrástrame al infierno, una obra de terror sobrenatural demoníaco en la que una ambiciosa y vengativa agente de préstamos bancarios (Allison Lohman) es maldecida por una mujer para soportar tres días de tormento antes de ser arrastrada al infierno por toda la eternidad. A veces estrafalariamente terrorífica y otras veces estrafalariamente divertida, Arrástrame al infierno es simplemente Sam Raimi disparando sus cilindros personalizados. En los años siguientes, éxitos como Insidious, The Conjuring y The Babadook redefinirían el género, pero Arrástrame al infierno es una joya discreta que realmente personificó cómo eran las películas de terror de estudio a finales de la década de 2000. Incluso ahora, su final sigue asustando por su agresividad.
5. ¡Repo! La ópera genética (2008)
(Crédito de la imagen: Lionsgate)
¡Si usted era un chico de teatro de instituto a finales de la década de 2000, lo más probable es que viera e incluso le encantara Repo! The Genetic Opera. Inspirado en la propia experiencia del guionista Dan Smith con la bancarrota y la ejecución hipotecaria, este musical de rock gótico imagina un futuro sombrío en el que las empresas sanitarias privadas hacen caja vendiendo órganos a la gente mediante un plan de pagos; si no se mantienen los pagos, esos órganos son «embargados». ¡Protagonizada por Alexa Vega y Paul Sorvino -así como por Paris Hilton en un papel secundario- Repo! The Genetic Opera parece y se siente como si alguien hubiera mezclado grindcore, películas de Takashi Miike y The Rocky Horror Picture Show en una batidora. Aun así, merece la pena verla, aunque usted ya no sea un chaval de 17 años cantando melodías después de los ensayos.
4. DOA: Dead or Alive (2006)
(Crédito de la imagen: Dimension Films)
Durante mucho tiempo, la película de 1995 Mortal Kombat fue considerada la única buena película de videojuegos hasta que llegaron éxitos de taquilla medianamente decentes como Sonic the Hedgehog y The Super Mario Bros. Movie. Pero los aficionados saben que en 2006, el director Corey Yuen dirigió la descaradamente salaz DOA: Dead or Alive, una versión cinematográfica de la célebre serie de juegos de lucha. Con Sarah Carter, Devon Aoki, Holly Valance y Jamie Pressley como protagonistas, el juego estafa abiertamente a Enter the Dragon -su premisa es un torneo de artes marciales celebrado en una isla exótica- pero ofrece algunos giros propios que hacen que los ojos se queden pegados a la pantalla. DOA: Dead or Alive es descarado con su protagonismo de las chicas guapas, pero también tiene el suficiente estilo de una película de acción de serie B como para resultar atractivo, y no como un machacar botones sin sentido.
3. Torque (2004)
(Crédito de la imagen: Warner Bros. Pictures)
Después de dirigir vídeos musicales para titanes del pop como Britney Spears y los Backstreet Boys, Joseph Kahn debutó en el largometraje con Torque, una película de acción trepidante que se parece más a un videojuego de carreras. Con un reparto que incluye a Adam Scott, Martin Henderson, Jamie Pressly, Jay Hernandez y Christina Milian, Torque sigue a un motorista que se da a la fuga después de que le inculpen de asesinato. A primera vista, Torque podría parecer una imitación de The Fast & the Furious -incluso hay una línea que le mete el pulgar en la cara a Dominic Toretto- pero el singular arte de Kahn se asegura de que Torque sea una experiencia a todo gas completamente de su propia cosecha. Un verdadero bombardeo maximalista a los sentidos que cierta «familia» jamás podría soñar con seguirle el ritmo.
2. A Scanner Darkly (2006)
(Crédito de la imagen: Warner Independent Pictures)
La rotoscopia no es una técnica de animación nueva. Fue creada por Max Fleischer en 1915, y utilizada con gran efecto por gente como Disney a lo largo del siglo XX. Pero en 2006, Richard Linklater encontró la forma de utilizar la estética del rotoscopio como nuestra ventana al futuro en A Scanner Darkly, su adaptación de la novela de Philip K. Dick. En unos Estados Unidos de un futuro cercano, un agente encubierto lucha por separar la realidad de las alucinaciones inducidas por sustancias. A pesar del gran despliegue de estrellas como Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson y Winona Ryder, A Scanner Darkly no consiguió electrizar la taquilla. Desde entonces, la película se ha convertido en un éxito de culto, ya que el inusual aspecto de la película sigue pareciendo tan emocionante y fresco incluso ahora, así como su incómoda ambientación de unos Estados Unidos cada vez más indefensos e infectados por una policía fascista.
1. Camino a la perdición (2002)
(Crédito de la imagen: DreamWorks Pictures)
En 2002, Tom Hanks se atrevió a desafiar su propia imagen de protagonista sano en Camino a la perdición, de Sam Mendes. Hanks interpreta a un asesino a sueldo de la mafia irlandesa en el Illinois de la era de la Depresión que escapa con su hijo (Tyler Hoechlin) después de que el resto de su familia sea masacrada. La mayor parte de la tensión de la película reside en el personaje de Hanks, Michael Sullivan, que se niega a dejar que su hijo crezca para ser como él, pero aun así le entrena en su oficio mientras evaden a gángsters rivales y a un asesino a sangre fría en particular (Jude Law). Si Camino a la perdición pretendía remodelar la marca de Hanks como actor, fracasó; el actor ha interpretado desde entonces a más hombres buenos, incluyendo a personas reales que han salvado vidas. Pero Camino a la perdición es, no obstante, un cuadro hermoso y arrollador sobre lo lejos que llegamos para proteger a nuestros hijos, incluso si eso significa obligarles a crecer antes de estar preparados.