Desde el estreno de su largometraje Blancanieves y los siete enanitos en 1937, Disney ha sido sinónimo de narración atemporal y artesanía de calidad. Si bien es cierto que no todo lo que se ha hecho desde el estudio son éxitos sísmicos, no hay duda de que Disney es un nombre conocido en todo el mundo. Y es por una buena razón. Porque durante muchos años, Disney ha hecho películas que han unido a las familias. Lector, lectora de la pantalla: ¿qué momentos de las películas Disney son los más justos de ver?
Aunque en un principio sus películas se basaban en los cuentos de hadas de los Grimm y en el folclore europeo, desde entonces Disney ha ampliado su vasto reino para contar (y volver a contar) historias de todos los ámbitos, desde mitologías e historias orales hasta incluso cómics. Para celebrar la continuidad de la propia historia del estudio, estos son los 32 mejores momentos cinematográficos de Disney de todos los tiempos. (Una puntualización: excluimos las películas de Pixar, porque eso es una categoría por sí sola).
32. Mulán ocupa el lugar de su padre (Mulán)
(Crédito de la imagen: Disney)
Basta con leer la premisa de Mulan, de Disney, basada libremente en la heroína popular china, para remover sentimientos por sus temas de familia, deber y honor. Pero ver realmente el momento en que Mulan (a la que pone voz Ming-Na Wen) ocupa el lugar de su padre en el ejército y se disfraza de hombre es otra cosa. Enmarcada en una dramática tormenta eléctrica, Mulan hace lo que ninguna princesa Disney antes que ella había hecho nunca -tomar las armas- y la escena resultante es un exquisito retrato de heroísmo y valentía, todo ello procedente del amor por las personas que más importan.
31. El cohete despega (The Rocketeer)
(Crédito de la imagen: Disney)
Antes de que Los Vengadores se reunieran bajo el vasto imperio de Disney, tenía al Rocketeer, un superhéroe original del creador Dave Stevens. En la versión cinematográfica de Joe Johnston de 1991 del cómic de Stevens, El Rocketeer (interpretado por Billy Campbell) despega hacia los cielos por primera vez para rescatar a un piloto en un espectáculo aéreo que ha salido mal. Aunque los efectos visuales son comparativamente primitivos a lo visto en el Universo Cinematográfico Marvel, toda la secuencia sigue siendo una chulada, siendo un cariñoso y nostálgico retroceso a la Edad de Oro de los superhéroes.
30. Montaña rusa hawaiana (Lilo & Stitch)
(Crédito de la imagen: Disney)
No hay mejor cura para una cara agria que un par de tablas y unas buenas olas. En uno de los pocos éxitos animados no musicales de Disney, Lilo & Stitch, a las abatidas hermanas Nani y Lilo se les ha acabado el tiempo para que Nani encuentre un trabajo y así proteger a Lilo de que se la lleven al sistema de acogida. Mientras el sol se pone, las hermanas -además del apuesto David y la rabiosa mascota alienígena Stitch- optan por olvidar sus problemas y pasar el rato, dejando que cada ola las aleje de los problemas que les esperan en tierra. Impulsada por la burbujeante canción de éxito de platino «Hawaiian Roller Coaster Ride», esta escena inolvidable muestra lo que significa surfear con el océano en lugar de nadar contra corriente.
29. Fuego infernal (El jorobado de Notre Dame)
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Cualquier musical de una película de Disney seguro que tiene una canción asesina del «villano». Pero la canción «Hellfire» de Frollo es como ninguna otra. Arraigada en la hipocresía de los hombres piadosos y en el conflicto interior que se encuentra en todos los que son devotos en sus dogmas elegidos, «Hellfire» desvela las motivaciones verdaderas y notablemente humanas del villano juez Claude Follo (Tony Jay). Perseguido por espíritus ardientes y clérigos encapuchados que se ciernen sobre él, Frollo canta sobre su arrepentida lujuria por la bella Esmeralda (a la que pone voz Demi Moore), revelando a un hombre que no está empeñado en amasar poderes cósmicos o dominar reinos. En lugar de eso, es sólo un hombre que quiere a una mujer. Y como él no puede tenerla, entonces nadie puede. Qué aterrador y, para muchos, qué trágicamente familiar.
28. El aprendiz de brujo (Fantasía)
(Crédito de la imagen: Disney)
Verdaderamente, casi toda Fantasía puede calificarse como un gran momento para Disney. Aunque la música clásica era tradicionalmente popular en la animación de principios del siglo XX, Fantasía era diferente en el sentido de que imaginaba un tono más serio, a diferencia de la comedia de bofetadas común en los dibujos animados más convencionales. Pero el corto central de Fantasía es también el mejor y posiblemente el más definitivo de la magia narrativa de Disney. Hablamos, por supuesto, de «El aprendiz de brujo», donde Mickey Mouse recibe el encargo de una tarea de su maestro brujo Yen Sid y su plan para atajar el trabajo crea una, ejem, avalancha de problemas. No sólo es bonito de ver, también es divertido, simpático y esclarecedor, con su principal lección -no hay sustituto para el trabajo duro- resonando cuando Mickey, en silencio y hoscamente, finalmente hace lo que se le dijo que hiciera.
27. Columpiándose entre los árboles (Tarzán)
(Crédito de la imagen: Disney)
El Renacimiento de Disney está lleno de películas técnicamente deslumbrantes que nos hicieron decir a todos: «¿Se puede hacer eso en un dibujo animado?». En 1999, Disney estrenó Tarzán, basada en la historia clásica de Edgar Rice Burroughs con una música imposiblemente genial de Phil Collins. Cerrando su primer acto, que muestra cómo un niño crece hasta convertirse en un hombre criado por simios, un Tarzán adulto se balancea de liana en liana y «surfea» por los árboles en lo alto en una asombrosa proeza del cine de animación. Apenas dura 20 segundos, pero sigue siendo un espectáculo como culminación de un siglo de evolución de la industria y un poquito de efectos por ordenador para presagiar el futuro venidero del nuevo siglo.
26. ¡Heigh Ho! (Blancanieves y los siete enanitos)
(Crédito de la imagen: Disney)
Déjeme adivinar: ya lo tiene metido en la cabeza. La presentación de los Siete Enanitos titulares que vienen a apoyar a la bella Blancanieves se introducen memorablemente en el interior de una mina de joyas, recogiendo y arañando joyas de valor incalculable y cantando sobre ello con un jingle pegadizo. Lo más importante es cómo se presenta individualmente a los Siete Enanitos, no con letras que llamen la atención, sino simplemente cómo actúan y se comportan a lo largo de toda la película. (Dopey, por supuesto, es el corazón y el alma de todo el asunto). Para muchos, «¡Heigh Ho!» es la forma en que la gente aprendió a silbar.
25. Adiós, Baymax (Big Hero 6)
(Crédito de la imagen: Disney)
Originada como un título muy oscuro de Marvel Comics, Big Hero 6 muestra cómo algo de ese precioso toque Disney puede crear verdadera magia. En Big Hero 6, el genio adolescente Hiro honra a su difunto hermano Tadashi convirtiendo a su creación, un abrazable ayudante robot médico llamado Baymax (al que pone voz Scott Adsit), en un superhéroe pateaculos. Pero al final de la película, Baymax se ofrece a sacrificarse para salvar a Hiro, con lo que su pregunta característica – «¿Estás satisfecho con tu cuidado?»- adquiere un significado más profundo. Mérito de Scott Adsit por una actuación de voz en off notablemente humana.
24. La vuelta del pelo (La Sirenita)
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En los albores del periodo de renacimiento de Disney llegó La Sirenita, que estableció un nuevo estándar de calidad para las películas Disney. Aunque La Sirenita está repleta de momentos asombrosos bajo el mar -incluida una canción de villano «Pobres almas desdichadas», genial de todos los tiempos-, hay un trozo de ocho segundos que ha fomentado toda una vida de imaginación. Cuando una Ariel cambiada (con dos piernas) nada hacia la superficie por primera vez, se echa el pelo hacia atrás, el brillo del agua salpicando indistinguible de la magia que ha alterado totalmente su cuerpo. Entre la iluminación realista de la escena y la majestuosidad visual general, lo que tiene es un momento que resume hasta qué punto la belleza y la magia están inextricablemente unidas.
23. Llevando el estandarte (Newsies)
(Crédito de la imagen: Disney)
El número de apertura del musical pro-sindical de Disney Newsies es el ideal platónico de todos los musicales cinematográficos. No sólo establece las expectativas para todos sus estilos musicales – en este caso, el ragtime jazzístico de finales de la década de 1890 – sino que también cuenta una historia sobre la vida cotidiana de unos huérfanos sobrecargados de trabajo que luchan cada día bajo el pulgar opresor del capitalismo de amiguetes. Es pegadiza, es animada, la coreografía es legítimamente impresionante y nunca suena igual durante los cinco minutos que dura. Un gran punto a favor: cuenta con un jovencísimo Christian Bale pre-Batman que despliega todo su talento como futura estrella de cine.
22. ¡Salvajes! (Pocahontas)
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Una estruendosa canción de guerra subrayada por la forma en que los prejuicios raciales nos convierten a todos en bárbaros, el número «Savages» (Salvajes) de Pocahontas, de Disney, está a la altura de la palabra «épica» aunque el mundo no esté en juego. Aunque la historia afirma con razón que la colonización europea ha hecho más mal que bien, en lo que respecta a una película de Disney, Pocahontas hace gala de llamativas metáforas visuales que sugieren sin sutileza cómo nuestras tendencias tribales nos hacen inhumanos. Observe cómo los colonos blancos se iluminan de rojo con su furioso fuego, mientras cantan sobre los inhumanos indios «rojos», y cómo los nativos americanos, pintados de azul a la pálida luz de la luna, advierten sobre la violencia de los hombres pálidos. A todos nos vendría bien un poco de introspección.
21. Bette Midler te hechiza (Hocus Pocus)
(Crédito de la imagen: Disney)
Cuando llega la temporada espeluznante, no hay nada mejor que montárselo con tres brujas de Salem. Hocus Pocus es un clásico de Halloween por todas las razones obvias, pero Bette Midler se ha asegurado de su calidad atemporal a través de su gran número musical «I Put a Spell on You» (Te hechizo), que en realidad ilustra su villanía de una manera inteligente. Winnie no sólo es inquietantemente adaptable a los escenarios modernos, sino que ni siquiera siente la necesidad de ocultar exactamente lo que está haciendo: hechizar a la gente. Es espeluznante porque a la gente no le importa, siempre que sepa montar un buen espectáculo.
20. Un paseo por Central Park (Encantada)
(Crédito de la imagen: Disney)
Antes de que Disney desarrollara la desagradable costumbre de convertir todos sus musicales animados en películas de acción real, se satirizó a sí misma con esa misma idea con el exitoso musical de 2007 Encantada. Protagonizada por Amy Adams y Patrick Dempsey, la película se burla cariñosamente de las convenciones de las películas de Disney, incluyendo números musicales espontáneos con elaboradas coreografías. Aunque «That’s How You Know» es una gran canción por sí sola, recibe un impulso de entretenimiento de un desconcertado Robert (Dempsey), perdido en cuanto a cómo todo el mundo en Central Park sabe cantar en tono y bailar en el momento oportuno.
19. Old Yeller contrae la rabia (Old Yeller)
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A los primeros Disney les gustaba mucho matar animales, ¿verdad? Tan icónica como Bambi y El Rey León, Old Yeller es más recordada por la estrecha amistad entre el adolescente Travis (Tommy Kirk) y su perro, un Cur Boca Negra llamado Old Yeller, sólo para que esa amistad termine en una dolorosa tragedia. Cuando Old Yeller desarrolla la rabia y se convierte en un perro hostil que gruñe horriblemente a la vista de cualquier humano, Travis incluido, depende de Travis sacrificarlo. La película es otro ejemplo de cómo Disney muestra la crueldad de la naturaleza y que incluso el mejor de los vínculos puede romperse.
18. Hablando de Bruno/Conociendo a Bruno (Encanto)
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La vergüenza familiar se mezcla con melodías colombianas en uno de los números Disney más memorables e hipnotizantes de la década de 2020. En la película de 2021 Encanto, Maribel (Stephanie Beatriz) aprende más sobre su distanciado tío Bruno (John Leguizamo), un adivino del futuro del que sólo se habla en susurros. Aunque el número, ridículamente pegadizo y groovy como es, hace un excelente trabajo de establecer a Bruno como otro villano místico de Disney, la verdad golpea duro cuando Maribel realmente lo conoce y descubre que es sólo un hombre que quiere ser parte de su familia. Con sus metáforas sobre la enfermedad mental y las formas en que las familias ahogan su culpa con una crueldad descuidada, Bruno asegura que Encanto es algo más que otro musical de película Disney al uso.
17. Ciclos de luz (Tron)
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En un extraño y excepcionalmente raro caso de efectos visuales anticuados que mejoran con la edad, tenemos la epopeya de ciencia ficción de 1982 Tron. Dirigida por Steven Lisberger y con CGI de vanguardia por aquel entonces, Tron tiene lugar dentro de un mundo virtual en el que el desarrollador de videojuegos Flynn (Jeff Bridges) es transportado a un juego arcade y debe competir físicamente en juegos, incluida una carrera mortal de ciclos de luz. Simultáneamente la secuencia más ochentera imaginable y todavía adelantada a su tiempo, Tron nos hizo desear a todos poder montarnos nosotros mismos en ciclos de luz y cabalgar hacia la victoria… o la perdición.
16. Cuando deseas una estrella (Pinocho)
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El comienzo del clásico de Disney Pinocho es la canción que ha definido literalmente a la propia Disney, funcionando como motivo temático característico de la compañía durante décadas. Al comienzo de Pinocho, los títulos de crédito se puntúan con cuerdas de colores y un coro angelical antes de que la profunda voz de Cliff Edwards nos cante: «Cuando pides un deseo a una estrella/no importa quién seas/cualquier cosa que tu corazón desee, vendrá a ti». Es una idea dulce y sentimental que nos hace querer creer que la magia puede ser real, especialmente en los momentos en que más necesitamos creer en ella.
15. Bambi sobrevive (Bambi)
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Bambi fue y es una de las mejores películas de Disney por una razón. Aparte de su impresionante diseño y animación de cuento, sus temas sobre el amor, la muerte y el caos incontrolable del mundo exterior son universalmente instructivos para los espectadores demasiado jóvenes para comprender realmente lo que significa perder a alguien. Aunque el momento en que muere Bambi es icónico hasta el punto de engendrar un sinfín de parodias, sigue siendo un momento importante para el canon Disney al demostrar cómo el entretenimiento infantil no tiene por qué estar desprovisto de significado.
14. Elsa se deja llevar (Frozen)
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Mis más sinceras disculpas a los padres cuyos recuerdos conmocionados por la fiebre de Frozen acabamos de descongelar, pero no se puede discutir el enorme impacto que tuvo en su día «Let It Go». En el sísmico clásico de Disney de 2013, la princesa Elsa declara su individualidad lejos de los sofocantes resplandores de Arendelle yendo a donde nunca jamás podrían molestarla. Además del hecho de que «Let It Go» es un éxito de karaoke, el número característico de Elsa es un verdadero espectáculo para la vista, con magníficas imágenes centradas en la elevación instantánea del castillo de hielo privado de Elsa.
13. Un mundo nuevo (Aladino)
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No se atreva a cerrar los ojos. Una de las canciones a dúo más imparables de todos los tiempos del maestro de Disney Alan Menken, Jasmine (cuya voz cantante pertenece a la incomparable Lea Salonga) y el impresionante viaje en alfombra mágica de Aladdin alrededor del mundo es una secuencia que se eleva y se siente como se siente enamorarse de alguien. Se siente como volar, y no hay nada igual en la Tierra. Con su arrollador lirismo y su atmósfera absolutamente romántica, esta escena le lleva por encima, por los lados y por debajo, a un nuevo y deslumbrante lugar que nunca conoció.
12. Próxima parada: Nunca Jamás (Peter Pan)
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Vea suficientes películas de Disney y empezará a detectar las mismas ideas recurrentes: animales huérfanos, el beso del amor verdadero y, por supuesto, la magia de volar. En Peter Pan, Wendy y los niños son rociados con polvo de hadas por Peter Pan y adquieren la capacidad de volar. Todo lo que tienen que hacer es tener pensamientos felices. (¿No sería estupendo para el resto de nosotros?) Aunque puede que la escena no impresione al público moderno, acostumbrado a secuencias técnicamente más sofisticadas, la escena es pura magia Disney por excelencia que sigue siendo intemporal después de todo este tiempo.
11. La llegada de un pirata (Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra)
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Sencillamente, nunca ha habido otro personaje como el capitán Jack Sparrow, ni antes ni después. Interpretado por Johnny Depp, este bucanero estrella del rock, besado por el sol y borracho de ron, hace su primera aparición en la primera película de Piratas del Caribe completamente formado, llevando en sus ojos holgados toda una vida de aventuras. Aunque el capitán Jack es un caso lamentable de algo bueno que se echa a perder, sigue habiendo algo inefable en su primera aparición. Ojalá todos aprendamos a desembarcar de barcos que se hunden con tanta despreocupación.
10. Las necesidades del «oso» (El libro de la selva)
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No se consigue el «Hakuna Matata» sin aprender sobre las necesidades más básicas. En El libro de la selva, Mowlgi aprende del tranquilizador Baloo (al que pone voz Phil Harris) el secreto para vivir una vida plena: tener pocas complicaciones en ella. Aunque Baloo está enseñando literalmente a Mowgli a sobrevivir de las ofrendas naturales de la Tierra, la canción tiene un significado mayor al instruir a los espectadores más jóvenes sobre cómo tener un enfoque más zen de la vida moderna. Antes de Marie Kondo, antes de las tendencias minimalistas de TikTok, había un gran oso bailarín que nos enseñó a mirar debajo de las piedras y a echar un vistazo a las extravagantes hormigas.
9. Cena de espaguetis para dos (La dama y el vagabundo)
(Crédito de la imagen: Disney)
Es tan icónico y omnipresente, pero aún así no ha perdido su poder. En la inolvidable cena en Tony’s, Tramp lleva a Lady a una cena italiana a la luz de las velas, donde comparten un besuqueo accidental sobre unos espaguetis. Tenga en cuenta que la escena está totalmente animada al estilo Disney de la vieja escuela; desde las caras expresivas y querubinescas de los perros hasta la calidez íntima de una cena en un callejón, todo en este momento se siente vivo, palpitando con la emoción de un romance en ciernes.
8. Un cuento tan antiguo como el tiempo (La Bella y la Bestia)
(Crédito de la imagen: Disney)
Dejando a un lado cualquier atisbo de síndrome de Estocolmo, la escena del salón de baile entre la bella Bella y la bestial, bueno, Bestia sigue siendo un momento Disney para la eternidad. Mientras «La Bella y la Bestia» es cantada por la incomparable Angela Lansbury, Bella y Bestia giran y dan vueltas en un ornamentado salón de baile dorado, que es renderizado por un primitivo, pero no menos impresionante CGI. Mezcla de la animación tradicional de Diseny y las nuevas disciplinas de vanguardia, La Bella y la Bestia demuestra que incluso los cuentos tan antiguos como el tiempo pueden encontrar nuevas formas de ser contados.
7. Los colores del viento (Pocahontas)
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Posiblemente uno de los números musicales Disney más bellos de todos los tiempos, «Colores del viento» -cantado por Judy Kuhn, como la voz cantante de Pocahontas- cuenta múltiples historias a la vez. Aunque principalmente es un sermón sobre la conservación de la naturaleza desde el punto de vista de Pocahontas a John Smith, que no es más que un visitante en su tierra natal, la canción se expande lentamente a gran escala hasta sentirse como una apasionada súplica de todos para que pensemos más detenidamente en nuestra relación con esta antigua y hermosa Tierra. Como Pocahontas dice en la canción: Puedes poseer la Tierra, y aun así todo lo que poseerás es Tierra hasta que realmente comprendas lo que significa ser uno con ella.
6. Una cucharada de azúcar (Mary Poppins)
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Sólo porque tengas que hacer algo no significa que no puedas divertirte un poco por el camino. En Mary Poppins, la imposiblemente bella Julie Andrews da instrucciones a los dos niños que cuida para que asuman su responsabilidad y limpien su habitación. Pero ella les enseña cómo hacerlo con una sonrisa, ya que una cucharada de azúcar realmente ayuda a que baje la medicina. Un espaldarazo a Andrews por hacer que esta escena sea tan maravillosa como es, cuya energía optimista encaja perfectamente con el sonido uptempo.
5. El cambio de imagen del Hada Madrina (Cenicienta)
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Es un tropo que ha llegado a definir las fantasías de los cuentos de Disney, y sigue funcionando porque sigue siendo muy poderoso creer en él. En Cenicienta, la pobre princesa huérfana de Disney lamenta perderse el baile, sólo para que su hada madrina acuda al rescate en el último minuto. No sólo el momento en que Cenicienta se «pone» el vestido sigue siendo una proeza de la técnica cinematográfica, sino que todo en ella grita elegancia atemporal. Además, ¿a quién no le gustaría entrar en la época más calurosa del año en un paseo en calabaza trucada? Es un momento que define a la «bella del baile».
4. Matar al dragón (La Bella Durmiente)
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Para cualquiera que piense que las viejas películas de Disney son estiradas y aburridas y que carecen de acción, piénselo de nuevo. El audaz enfrentamiento del príncipe Felipe contra Maléfica -en su temible forma de dragón que escupe fuego- sigue siendo un emocionante duelo culminante, y profundamente formativo para todos los RPG y batallas contra jefes de Soulsborne. Impulsado por la partitura de George Bruns e iluminado por remolinos de fuego y espinosas ramas negras, el clímax de La Bella Durmiente sigue siendo uno de los mejores de la historia.
3. El beso del amor verdadero (Blancanieves)
(Crédito de la imagen: Disney)
He aquí algo que recordar para el trivial del pub: el primer caso de «beso de amor verdadero» en una película de Disney fue Blancanieves y los siete enanitos, de 1938. Mientras que un puñado de otras princesas Disney se besuquean para romper cualquier maldición que las aqueje, Blancanieves fue la primera, con su beso del Príncipe Encantador acabando con el hechizo de la Reina Malvada. Bellamente animado para la pantalla mediante la técnica del rotoscopio, este momento de Blancanieves ha resonado innegablemente a través de generaciones.
2. «Y entonces… entré» (Tron: Legacy)
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Épica y ominosa a la vez, la apertura de Tron: Legacy (la secuela de 2010 de la Tron original de 1982) es tan sobrecogedora como escalofriante. No da miedo, pero sugiere mundos dentro de mundos, realidades que el hombre puede crear y seguir siendo totalmente ignorante de su existencia. Más allá de eso, el llamativo uso de colores contrastados – negro pitch y azul pálido neón – demostró cómo cualquier cosa vieja puede ser nueva otra vez, y cómo «retro» es un concepto fluido listo para ser redefinido. Ni siquiera hemos tocado la hábil narración de Jeff Bridges que desglosa de forma económica la historia de la Tron original, ni la icónica banda sonora de Daft Punk que inspiró de forma eficaz el renacimiento del synthwave. No existe una introducción a una película de Disney como Tron: Legacy, y eso es porque se sostiene por sí sola.
1. El círculo de la vida (El Rey León)
(Crédito de la imagen: Disney)
El Rey León es una obra maestra tan imponente de la biblioteca de Disney que se podría escribir toda una lista de grandes momentos a partir de una sola película. Pero reduciendo las cosas a uno solo, no hay debate sobre el prólogo y el epílogo de la película, que se presenta de forma hermosa y sencilla como «El círculo de la vida». Arrancando la película con una llamativa nota alta – con voces en zulú cantadas por Lebo M – la secuencia es una impresionante mezcla de animación y documental de vida salvaje, ya que el reino de animales de África (más o menos) se comporta exactamente como lo hace en la naturaleza. Puntuada por el motivo de un sol naciente, que arroja una hermosa capa dorada de brillo sobre todo lo que toca, la secuencia hace honor a la palabra «majestuosa». Qué apropiado, para el nacimiento de un nuevo rey.